Avant de devenir photographe, Todd Webb a été chercheur d'or, garde forestier, courtier en bourse, marin et facturier chez Chrysler. Il a emporté toute cette histoire avec lui lorsqu'il s'est installé à New York en 1945 et a passé les quatre années suivantes à réaliser des photographies époustouflantes de l'architecture et des personnages hauts en couleur de la ville. Son travail est alors salué par les plus grands noms de la photographie - Alfred Stieglitz, Roy Stryker, Edward Steichen, entre autres - sans que cela ne se traduise jamais par une reconnaissance publique ou une stabilité financière. Webb pensa donc à tenter sa chance à Paris. Au début de l'année 1949, il prend la mer. Très vite, il sillonne les rues de Paris pour réaliser des images documentaires réfléchies et superbement composées avec son appareil 8 x 10. Webb est tombé amoureux du Paris de l'après-guerre : il aime l'intimité de la ville, ses petites rues et ses passages cachés, les colporteurs avec leurs charrettes, les commerçants. Il aime les enseignes peintes à la main sur les façades décrépies des immeubles. Il aime marcher dans les mêmes rues qu'Eugène Atget un demi-siècle plus tôt. Et surtout, il aime la lumière. Webb réalise certaines des photographies les plus mémorables de sa carrière et s'amuse. Il fréquente les grands photographes vivant à Paris - Robert Doisneau, Louis Stettner et Brassai - et devient l'homme à visiter pour les photographes en mission aux États-Unis, comme Robert Frank, Gordon Parks et John Vachon. Les photos de ce livre ne nous montrent pas seulement à quoi ressemblait Paris il y a 75 ans, elles révèlent aussi quelque chose de la vie intérieure du photographe.
Le réalisateur australien Baz Luhrmann a déclaré : « Les photos de Douglas ont cette chaleur et cette humanité ; elles ont du romantisme ». Douglas Kirkland, figure emblématique de la photographie du XXe siècle, a consacré une grande partie de sa carrière à photographier des célébrités et des gens ordinaires, créant ainsi une oeuvre à la fois intime et iconique. Nombre de ses photographies ont été exposées dans le monde entier, laissant une empreinte durable sur la culture pop et façonnant le récit visuel de la fin du XXe siècle. Parmi ses images les plus marquantes figurent celles de Marilyn Monroe, Audrey Hepburn, Brigitte Bardot et Coco Chanel, etc. Romance explore la représentation que Kirkland donne de l'amour et de la relation amoureuse, en mettant en scène des couples mythiques et des images célèbres de films comme Titanic et Moulin Rouge. Elle célèbre l'amour sous toutes ses formes, et en tant que révolution.
Le vingtième numéro du magazine surréaliste et provocateur conçu par Maurizio Cattelan et Pierpaolo Ferrari présente vingt-neuf nouveaux tableaux vivants oniriques (ou cauchemardesques), une collection de photographies scabreuses, drôles, absurdes et déviantes qui interroge notre obsession contemporaine pour les images.
L'ouvrage invite à parcourir l'histoire de la photographie couleur tout au long du XXe siècle à travers le regard acidulé de 19 artistes. Le parcours composé en 7 chapitres nous entraîne dans des mondes vibrants et saturés où la couleur percute la rétine et engage l'esprit.
Souvent décriée et rarement prise au sérieux, la photographie couleur a pourtant permis aux photographes de s'en donner à coeur-joie, de sortir leur palette pour repeindre le monde. Ils sont plusieurs à s'être libérés de l'assignation documentaire du medium photographique pour explorer ce que l'image avait de racine commune avec l'imaginaire en flirtant avec le pop, le surréalisme, le bling, le kitsch et le baroque.
La conquête de la couleur en photographie suit de peu l'invention du médium avec les premiers essais à but scientifique au milieu du XIXe siècle. En 1907, le premier procédé industriel de la photographie couleur s'affirme avec l'autochrome, créé per les frères Lumière. S'ouvre alors un siècle d'expérimentation chromatique : des scènes ordinaires aux réflexions philosophiques et politiques, la couleur transcende le simple outil pour devenir un élément narratif central.
Qu'il s'agisse de magnifier les détails d'une scène quotidienne, de redéfinir les codes de beauté des magazines ou de capturer des sujets engagés, la photographie couleur offre une vision intensément chromatique du monde. Cette diversité de regards et de pratiques témoigne d'un fil conducteur : la volonté de donner à voir autrement, en insufflant aux images la vie et l'émotion que seule la couleur peut transmettre.
Maurizio Cattelan et Sam Stourdzé revisitent ainsi l'histoire de la photographie couleur à travers les 20 numéros de Toiletpaper. Les images créées pour le magazine iconique constituent un fil conducteur narratif, contaminant et faisant irruption dans les pages du livre pour établir un dialogue photographique et créer métaphoriquement un groupe imaginaire d'amis iconographiques.
Oeuvres de Miles Aldridge, Erwin Blumenfeld, Guy Bourdin, Juno Calypso, Walter Chandoha, Harold Edgerton, Hassan Hajjaj, Hiro, Ouka Leele, Arnold Odermatt, Ruth Ginika Ossai, Martin Parr, Pierre et Gilles, Alex Prager, Adrienne Raquel, Sandy Skoglund, Toiletpaper, William Wegman, Madame Yevonde.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme à la Villa Medicis, Rome, du 28 février au 9 juin 2025.
Maurizio Cattelan has exhibited internationally in leading institutions and has participated in the Venice Biennale numerous times. He curated the 4th Berlin Biennale with Massimiliano Gioni and Ali Subotnick. Cattelan also conceived the art magazines Permanent Food and Charley. After the acclaimed 2011 retrospective at the Guggenheim Museum in New York City, he has committed himself to publishing Toiletpaper magazine.
ToiletAlex PaperPrager est la nouvelle édition du magazine Toilet Paper, née d'une collaboration avec l'artiste, photographe et réalisatrice américaine Alex Prager : un dialogue vibrant dans lequel le style ironique de Toilet Paper rencontre l'humour noir d'Alex Prager, un défilé d'images à la fois familières et étranges, suggérant un monde intemporel situé quelque part entre le rêve et la réalité.
Le magazine ToiletAlex PaperPrager est un projet original né de la rencontre entre l'univers visionnaire de Toilet Paper et l'imagerie troublante d'Alex Prager. Le magazine présente douze images d'Alex Prager et douze images conçues par Toilet Paper : l'esthétique séduisante, les couleurs vibrantes et les déviances visuelles caractéristiques de Toilet Paper enrichissent l'univers de Prager, et réciproquement. L'exploration par l'artiste de la frontière délicate entre réalité et fiction, à travers son mélange unique d'archétypes, d'objets quotidiens, d'humour et d'allégories, forme le coeur d'un voyage captivant et énigmatique.
Ce nouveau magazine s'inscrit dans la continuité de ToiletMartin PaperParr, une publication spéciale qui a rassemblé en 2018 les images les plus emblématiques des archives prolifiques de l'artiste mondialement célèbre Martin Parr et du duo Cattelan-Ferrari.
A la suite de ToiletMartin PaperParr et de ToiletAlex PaperPrager, ToiletMiles PaperAldridge est la troisième collaboration du duo Toilet Paper, Maurizio Cattelan et Pierpaolo Ferrari.
Le photographe britannique Miles Aldridge a développé une esthétique à la fois chic et chromatique, mais aussi surréaliste. Il est influencé par les films de Federico Fellini et de David Lynch, par la photographie de Richard Avedon, ainsi que par les pochettes d'albums et couvertures de livres créés par son père, Alan Aldridge.
David Lynch, l'une des sources d'inspiration d'Aldridge, a dit un jour à propos de son travail : « Miles voit une réalité chromatiquement harmonieuse, graphiquement pure et aux contours nets ». Ce dernier numéro de Toilet Paper présente une sélection d'images de mise en scène glamour et sophistiquées d'Aldridge dans une palette de teintes acidulées et vibrantes.
Cet ouvrage présente les travaux de Valérie Belin réalisés entre 2007 et 2013, notamment les séries Corbeilles de Fruits, Lido, Ballroom Dancers, Vintage Cars, Têtes Couronnées, Black-Eyed Susan I et II, Décors, Mariées, Bob, Intérieurs ainsi que Still Life ou All Star. On y trouve également des vues d'exposition et des images de sa performance Comment devient-on Michael Jackson ? présentée au Centre Pompidou en 2004.
Michael Christopher Brown a suivi pendant plusieurs jours le cortège funèbre de Fidel Castro, l'ancien révolutionnaire et chef d'Etat cubain, à la fin de l'année 2016. Le photographe s'est penché depuis la fenêtre de sa voiture, côté passager, pour photographier les Cubains massés le long de l'autoroute, attendant de voir passer le convoi militaire chargé d'acheminer les cendres de Castro de La Havane à Santiago. L'ensemble de ses photographies est exposé aux Rencontres d'Arles en 2018.
Ayant grandi dans le Colorado avec son père dans la Professional Rodeo Cowboy Association, Luke Gilford a passé ses années de formation autour du rodéo, un milieu souvent été associé au conservatisme et à l'homophobie. Ce n'est que plus tard, lorsqu'il a découvert l'International Gay Rodeo Association (IGRA), qu'il a commencé à se considérer comme faisant partie d'une famille du rodéo. L'IGRA est l'association fédérant les communautés de cow-boys et de cow-girls LGBTQ+ en Amérique du Nord. Le rodéo queer rassemble des participants des régions rurales de toute l'Amérique pour des programmes éducatifs structurés et des compétitions.
Gilford a passé plus de quatre ans à parcourir le pays pour documenter cette sous-culture diverse et en constante évolution. Réalisé en moyen format et imprimé dans une chambre noire traditionnelle, le travail est détaillé et riche en émotions et en couleurs. Les photographies qui en résultent sont à la fois personnelles et poétiques - des témoignages clairs de la relation intime de Gilford avec la communauté, célébrant la diversité et la beauté des familles choisies partout dans le monde.
Cette édition révisée, avec des images inédites, paraît à l'occasion de l'adaptation cinématographique de National Anthem en 2024.
Enchanting Nature est publié à l'occasion de l'exposition éponyme présentée au McNay Art Museum de San Antonio, Texas, de septembre 2025 à février 2026. Le texte et les images de la publication couvrent l'ensemble de la pratique artistique de Sandy Skoglund en tant que sculptrice, artiste d'installation et photographe. Enchanting Nature comprend les installations phares de l'artiste - Revenge of the Goldfish et Radioactive Cats - ainsi qu'une installation jamais exposée, Fresh Hybrid, datant de 2008. La publication et l'exposition Enchanting Nature présentent des oeuvres réalisées tout au long de la carrière de l'artiste, en mettant l'accent sur les thèmes récurrents dans son travail, notamment la nature, l'environnement et la parenté entre les espèces. La série récente The Outtakes revisite les séances photos antérieures de l'artiste pour récupérer des clichés alternatifs initialement rejetés comme des erreurs.
L'ouvrage comprend une conversation éclairante entre l'artiste et l'éditrice et écrivaine Laura van Straaten, permettant de mieux comprendre les motivations, les enjeux et les processus du travail artistique de Sandy Skoglund.
Catalogue en français de l'exposition consacrée à la grande photoreporter au Jeu de Paume (6 février - 20 mai 2018). Cette rétrospective Susan Meiselas réunit une sélection d'oeuvres des années 1970 à nos jours. Membre de l'agence Magnum depuis 1976, Susan Meiselas questionne la pratique documentaire. Elle s'est faite connaître par ses images sur les zones de conflit en Amérique centrale dans les années 1970 et 1980, notamment grâce à la force de ses photographies couleur.
Tar Beach. On the Rooftops of Little Italy brings together photographs and memories of life in and around the rooftops of Little Italy, New York. These are pictures that were made, kept and gathered by various families who handed them down from 1940 to the early 1970's. Reflections from the community offer perspectives of multiple generations, as Angel Marinaccio says: "If you had an accomplishment- communion, confirmation, wedding, graduation or birthday, you'd dress up in your best outfit and go to the rooftop to take pictures and celebrate with your family." We see the images they shared and saved.
The introduction to Tar Beach is written by renown filmmaker Martin Scorsese who grew up on the streets portrayed in this collection. He writes: "The roof was our escape hatch and it was our sanctuary. The endless crowds, the filth and the grime, the constant noise, the chaos, the claustrophobia, the non-stop motion of everything... you would walk up that flight of stairs, open the door, and you were above it all. You could breathe. You could dream. You could be." Photographer Susan Meiselas, along with two of her neighbours, Angel Marinaccio and Virginia Dell'Orio, collected and curated these vernacular photographs to convey the feeling of this special place and time in the daily lives of Italian immigrants as they made their way to becoming part of American culture. The book is designed by Yolanda Cuomo.
Publiée par Damiani, cette édition de Wild Flowers est une version éditée et mise à jour de la publication de 1983 de Meyerowitz, son troisième livre devenu un classique dans les décennies qui ont suivi. Comprenant photographie de rue, portraits, natures mortes, paysages, vues urbaines et plus encore, Wild Flowers rassemble des photographies de toute la carrière de Meyerowitz, de 1967 à 2020, toutes florales à leur façon.
Ansel Adams avait développé un système de zonage allant de zéro à dix pour contrôler l'exposition de ses négatifs et obtenir des noir & blancs exceptionnels. Pour cet ouvrage, Mike Mandel s'est plongé dans plus de 50 000 images d'Ansel Adams disséminées dans quatre lieux d'archive différents. Il a conçu le déroulé intitulé "Zone 11" comme une volonté de proposer un nouveau regard sur le grand photographe de la nature américaine, pour montrer un Ansel Adams qui aurait outrepassé ses propres limites. Certaines de ses images sont des travaux de commande, d'autres sont le résultat de ses expérimentations au polaroïd, et elles sont agencées pour former une séquence inattendue.
En plus de 90 photographies inspirées des cultures visuelles des pays d'Afrique de l'Ouest, leur mode et leur design, mais aussi leur histoire coloniale, cette première monographie présente le travail de Namsa Leuba, artiste guinéenne et suisse. Elle accompagne la première exposition solo de l'artiste aux Etats-Unis.
It was in 1978, during my first summer of making portraits while using an 8x10 inch large format camera, that I found myself drawn to photographing redheads.
I have often been asked; 'why redheads,' and I've often felt it was because in summer redheads seem to bloom in the sun more gloriously than the rest of us. But it also might have been my living far out on the tip of Cape Cod, surrounded by all the blue light of sea and sky, which made me pay more attention to the flamboyant qualities of redheads. Their hair and the exotic markings of their skin in sunlight became even rosier and more astonishing in that blue atmosphere.
Redheads, like film itself, are transformed by sunlight. It seems natural to me now that I would have paid attention to this new phenomenon as it appeared within the larger subject of the Cape itself. After making more than 50 portraits that first month, in which at least 30 were of redheads, I understood that this was an impulse to be taken seriously.
I ran an ad in the local paper, the Provincetown Advocate: "REMARKABLE PEOPLE! If you are a redhead or know someone who is, I'd like to make your portrait, call...." They began coming to my deck, bringing with them their courage and their shyness, their curiosity and their dreams, and they shared their stories of what it was like to be a redhead. They spoke of the painful remembrances of childhood, the violations of privacy and name calling-"Hey, red," "freckle face," "carrot head." They also shared with me their sense of personal victory at having overcome this early, unwanted celebrity, and how like giants or dwarfs or athletes they had finally grown into their specialness and by surviving had been ennobled by it. You could say that they had been baptized by their own fire, and that their shared experience had formed a "blood knot" among them. I had begun making portraits with the intention of photographing ordinary people. But redheads are both ordinary and special.
Their slender slice of the genetic pie accounts for only 2 or 3 percent of the world's population. As different as redheads are in terms of nationality and religion, they often give the appearance of a strong familial connection.
My way of making portraits is not by getting down on my hands and knees, nor climbing high on a ladder, nor getting into bed with a celebrity, but simply standing eye to eye with anyone has found their way to me, young or old. I need only one or two sheets of film and the patience to see it through.
This new edition of 'Redheads' will have a number of new and previously unseen portraits.
Into the Wild book is an important book for Spring 2022 as it depicts people choosing an alternative lifestyle of living for surf rather than living to work due to social economic pressures. To them surf is a way of life and they love to drive their cars to where the best waves are, sleep overnight and wake up to surf the best waves. Sometimes they even surf at night during the full moon periods. This is a definite change of mentality of the younger generation right now - the youth who choose to live in the moment and enjoy an alternative lifestyle.
This is a book about surfing and speaking to surfers. The journalist who is interviewing the surfers is a surfer himself and works for Stab Magazine - a well respected surf magazine based in LA that has a big online presence. They also plan big surf events and competitions so its very good for promotion to have their support.
Natif de New York et aujourd'hui basé à Paris, le photographe Richard Kalvar a passé plus de 50 ans à observer l'humanité à travers l'objectif de son appareil photo. Avec Selected Writings, il déplace son regard des visages vers les différents mode d'expression écrite des gens : graffitis, panneaux, t-shirts, bannières, pierres tombales et autres inscriptions publiques. Ce corpus en noir et blanc, qui mêle ironie et tendresse, traverse toute sa carrière, de la fin des années 1960 à aujourd'hui, et couvre différents lieux du monde occidental, en particulier à Paris, New York et Londres. De l'étrange au surprenant en passant par le franchement drôle, il donne un aperçu résolument subjectif de l'usage public de l'écrit.
Pour sa collection automne-hiver 1979-80, Mugler invite Alaïa à réaliser la série de smokings de son défilé et n'hésite pas, bon joueur, à le remercier publiquement dans le dossier de presse qui accompagne la présentation de ses créations cette saison-là. Dans les mains de celui qui n'a jamais voulu transgresser les lois de la coupe, les tailleurs-pantalons grain de poudre et satin acquièrent une forme de notabilité et de fluidité appréciée. Cette collaboration incite Alaïa à devenir créateur lui-même. Thierry Mugler l'encourage vivement et témoigne envers lui d'un soutien qui se révèlera capital autant qu'indéfectible. Rue de Bellechasse où Azzedine a installé ses ateliers, Mugler, toujours flanqué de sa bicyclette, fait venir les plus grandes journalistes de mode. En 1982, à la demande du grand magasin américain Bergdorf Goodman, Alaïa présente un défilé à New York. C'est Mugler qui l'en persuade, Alaïa imaginant que cette invitation est une plaisanterie qu'il lui fait ! Le créateur ami et admirateur l'accompagne, organise et construit le défilé lui-même, répond et traduit les interviews, soutient son camarade dans les moindres tâches ce qui lui vaudra une éternelle reconnaissance. L'été, ils passent leurs vacances ensemble en Tunisie chez l'amie de toujours Latifa et chez Leila Menchari.
Compagnons de route d'une décennie qu'ils ont préemptée stylistiquement, Alaïa et Mugler ont librement laissé les influences agir sur leurs créations mutuelles. Dans les années 1980, tous deux ont divinisé la femme, proclamant le retour du glamour en gloire et Hollywood pour inspiration à mille lieux des modes folkloriques des années 1970. Ils partagent une silhouette commune où les épaules en majesté contrastent avec les tailles étranglées et les hanches épanouies, souvenirs et fantasmes des modes des années 1930 et 1950 et des couturiers Adrian, Jacques Fath, Christian Dior et Cristóbal Balenciaga en tête.
Si Mugler a le sens du show jusqu'à orchestrer le plus grand défilé de ses créations et ses fantaisies en 1984 au Zenith, Alaïa a le goût de l'intime et de la perfection. Mais c'est avec communauté d'esprit que leurs collections se répondent. « Depuis notre rencontre, dira Thierry Mugler au sujet de son ami, mes vêtements sont moins abstraits, davantage dans le réel, le corps s'y sent plus à l'aise et les siens ont quelque chose de plus percutant (...) Je crois qu'avec moi, Azzedine Alaïa a pu s'affranchir, disons se libérer pour passer à des tailleurs aux lignes plus ergonomiques et sinueuses. ».
Publié à l'occasion de l'exposition « Azzedine Alaïa, Thierry Mugler - 1980-1990 - Deux décennies de connivences artistiques » à la Fondation Azzedine Alaïa, Paris, en 2025.
Au coeur de l'« Invasion » des drag-queens à Fire Island.
L'« Invasion of the Pines » est un événement annuel qui a lieu le 4 juillet à Fire Island, dans l'État de New York. L'« invasion » inaugurale a eu lieu en 1976 lorsqu'une drag queen s'est vu refuser l'entrée dans un restaurant de The Pines et qu'un groupe de ses amis, également habillés en drag queen, a pris d'assaut l'île en signe de protestation. Depuis lors, l'invasion se répète chaque année et des centaines de drag queens descendent sur The Pines pour commémorer et célébrer cet acte de protestation original. Fire Island Invasion. Day of Independence d'Anderson Zaca marque le 50e anniversaire de ce phénomène historique et culturel.
Anderson Zaca a commencé à documenter l'événement en 2007. Adopté par la communauté, il a vécu son évolution année après année et rend hommage à la magie de ce puissant spectacle. Réalisé à l'aide d'un film noir et blanc et d'un appareil photo moyen format, le travail de Zaca combine des éléments traditionnels et contemporains, mettant en valeur les détails complexes de chaque scène et capturant la dimension éminemment contradictoire des participants. Avec plus de trois mille images couvrant près de deux décennies, les photographies de Zaca servent à la fois d'archives et d'hommage au pouvoir de transformation de l'art du drag au cours de cette célébration annuelle emblématique.
