L'historienne et critique d'art revisite, avec sa mémoire de témoin, les liens entre art et activisme durant les « années sida » en France et aux États-Unis. Composé de textes monographiques, d'entretiens et d'essais thématiques, cet ouvrage rédigé à la première personne rend compte d'une créativité artistique et activiste née de l'urgence de vivre et du combat pour la reconnaissance de tous·tes.
Restituer la parole des ami·e·s de lutte, articuler les « je » et « nous » d'alors et d'aujourd'hui, faire retour sur des faits et affects peu connus du public français, analyser l'« épidémie de la représentation » consécutif à l'apparition du sida : telle est l'entreprise de cet ouvrage, conçu par Elisabeth Lebovici comme un véritable « discours de la méthode » où, toujours, le personnel est politique, le public et le privé s'intriquent. Engagée aux côtés des activistes français et américains de la lutte contre le sida, observatrice privilégiée, en tant qu'historienne de l'art et journaliste, des débats et enjeux des années 1980 et 1990, l'auteure analyse ce moment charnière des liens entre art et activisme, qu'elle revisite avec sa mémoire de témoin, en survivante affectée.
Monographies, entretiens et essais thématiques composent ce volume, rédigé de manière assumée - la seule possible - à la première personne. Il propose ainsi, dans un va-et-vient constant entre les États-Unis et la France, une cosmologie élective : ACT UP, les « arbres téléphoniques », Richard Baquié, Gregg Bordowitz, Alain Buffard, Douglas Crimp, les « enterrements politiques », General Idea, Nan Goldin, Félix González-Torres, Gran Fury, L'Hiver de l'amour, Roni Horn, Eve Kosofsky Sedgwick, Zoe Leonard, Mark Morrisroe, William Ollander, le « Patchwork de noms », The Real Estate Show, Lionel Soukaz, Philippe Thomas, Georges Tony Stoll, Paul Vecchiali, David Wojnarowicz, Dana Wyse, les zaps, etc.
Illustré par de nombreuses archives et ephemera qui soulignent l'importance du graphisme dans la lutte contre le sida, Ce que le sida m'a fait est un ouvrage nécessaire pour comprendre les « années sida », cette période d'une créativité artistique et activiste née de l'urgence de vivre et du combat pour la reconnaissance de tous·tes.
Cette publication s'inscrit dans la collection Lectures Maison Rouge, dont l'ambition est de proposer des textes d'artistes qui interrogent à la fois la muséographie, l'écriture de l'exposition et le travail de certains artistes eux-mêmes, sous la direction de Patricia Falguières.
Publié en 1981, Maîtresses d'autrefois, ouvrage fondateur de Rozsika Parker et Griselda Pollock, ne propose pas une histoire de l'art au féminin. Son projet est bien plus radical, émancipateur et, de fait, toujours pertinent aujourd'hui. Il s'intéresse tout autant à ce que l'histoire de l'art, en tant que discipline et idéologie, a fait et fait encore aux artistes femmes et à leurs oeuvres qu'à ce que leurs pratiques font ou pourraient faire à l'histoire de l'art, si elles étaient pleinement étudiées et considérées.
Les cinq parties du livre associent études de cas approfondies - de Sofonisba Anguissola et Berthe Morisot à Meret Oppenheim et Mary Kelly -, analyses des structures de la production artistique, tels l'opposition idéologique entre art et artisanat ou les stéréotypes assignés à « l'essence féminine », et développements vigoureux sur la manière orientée dont la discipline « histoire de l'art » s'est forgée, socialement et symboliquement. Les autrices offrent ainsi une recherche salutaire à toutes celles et tous ceux qui, avec elles, ne veulent pas seulement ajouter des noms féminins à l'histoire de l'art mais en modifier en profondeur l'écriture. Traduit pour la première fois en français, l'ouvrage est introduit par l'historienne de l'art Giovanna Zapperi et bénéficie d'une préface récente de Griselda Pollock, ancrant résolument Maîtresses d'autrefois dans le présent.
A nouveau disponible ! (seconde édition). La première publication en français du livre fondateur Inside the White Cube, qui a nourri le travail de toute une génération d'artistes, de critiques, de curateurs, et inspiré la remise en cause des formes classiques de l'exposition.
L'ouvrage met notamment en valeur la pratique artistique de Jarman de la période 1986-1993. Durant ces années, ses virulentes peintures réalisées sur des unes de journaux homophobes dialoguent avec des assemblages d'objets trouvés aux alentours de son jardin-refuge de Prospect Cottage et certaines de ses expérimentations filmiques les plus puissantes. Rassemblant des essais commandés à des critiques d'art et universitaires internationaux, consacrés à des aspects spécifiques - et parfois méconnus - de sa vie et de son oeuvre, ainsi que de généreux portfolios couvrant ses périodes successives, cette monographie offre une vue d'ensemble de la singularité créative de Derek Jarman.
La rage et la beauté, l'émotion et le sens du détail, la dureté du réel et les plaisirs de la fiction, le romantisme et l'activisme, l'affirmation queer et la passion pour Shakespeare, le goût des fleurs, des livres et des couleurs : telle est la plénitude du monde d'un artiste qui affirmait que « le but de l'art est de réveiller les rêves qui sommeillent en nous ». Ceux de Derek Jarman, toujours vivants aujourd'hui, continuent de se transmettre.
Avec les essais et contributions de Laetitia Chauvin, Fiona Corridan, Simon Fisher Turner, Philip Hoare, Gerald Incandela, Claire Le Restif, Élisabeth Lebovici, Cy Lecerf Maulpoix, James Mackay, Marco Martella, Jon Savage, Tilda Swinton et Simon Watney.
Publié suite à l'exposition de Derek JarmanDead Souls Whisper (1986-1993) au Crédac, Ivry-sur-Seine, en 2021.
Une généalogie polyphonique du concept d'art contemporain africain.
Une histoire de l'art contemporain africain ? Non. Une histoire performative de cette notion si longtemps polémique ! Tel est le sujet de cette anthologie conçue et introduite par Cédric Vincent, chercheur en anthropologie sociale et spécialiste des festivals panafricains.
Articulant les réflexions de figures fondatrices (Ulli Beier, Michel Leiris, Pierre Lods, Frank McEwen), d'artistes (Aina Onabolu, Eddie Chambers, Ben Enwonwu, Ernest Mancoba, Hassan Musa, Everlyn Nicodemus), de commissaires d'expositions (Clémentine Deliss, Okwui Enwezor, Jean-Hubert Martin, Simon Njami) et de chercheuses et chercheurs (Salah M. Hassan, Sidney L. Kasfir, Kobena Mercer, Olu Oguibe), cet ouvrage rend compte de la pluralité des points de vue, de la vigueur des controverses, des avancées contrariées d'un champ théorique en perpétuelle évolution. Mettant en valeur les débats récurrents que suscitèrent les concepts d'authenticité, de transmission, de modernité, d'identité et de colonisation culturelle, les 27 textes réunis se déploient des années 1920 à l'Âge des Indépendances, des débuts de la globalisation artistique au contexte mondialisé actuel, aussi bien au Nigéria, en Afrique du Sud, en Éthiopie et au Sénégal qu'en France, au Royaume-Uni et aux États-Unis.
Comment ouvrir, définir et défendre le périmètre de l'art contemporain africain ? Comment analyser la succession de ces expositions panoramas, initiées en 1989 par Magiciens de la terre (Paris) et The Other Story (Londres), qui provoquèrent désaccords curatoriaux et processus d'inclusion ? Comment articuler la création endogène des pays du continent africain et celle de leurs diasporas, ainsi que leurs appréhensions mutuelles ? Loin d'aborder l'art contemporain africain comme une catégorie stabilisée, cet ouvrage en propose une généalogie polyphonique pour élucider le cheminement séculaire d'une notion esthétique au plus près des batailles sémantiques, des affrontements institutionnels et des enjeux géopolitiques. Donnant la parole aux actrices et acteurs ayant animé l'un des champs artistiques les plus polémiques qu'il soit, cette anthologie offre un parcours heuristique, par rebonds successifs, pour appréhender une notion qui demeure, aujourd'hui encore, un lieu de débats idéologiques.
Introduite par Cédric Vincent, cette anthologie est enrichie d'une « expologie de l'art contemporain africain » et d'études sur la présence de l'Afrique à la Biennale de Venise et les biennales d'art contemporain en Afrique.
Les textes (mais aussi les dessins et les photographies) de l'architecte italien, l'un des grands inventeurs de dispositifs d'exposition du XXe siècle, réunis pour la première fois, avec une expographie commentée de ses réalisations.
« J'ai une grande passion pour l'oeuvre d'art. J'ai toujours cherché à connaître, à savoir, à comprendre, et il me semble aussi que j'ai d'assez bonnes connaissances critiques. Je ne sais pas écrire, je ne pourrais pas écrire un article critique, mais je ressens vivement ces valeurs. Et alors elles m'émeuvent. En fait, je préfère faire un musée plutôt que des gratte-ciels. » Le nom de Carlo Scarpa (1906-1978) est indissociable de l'histoire de l'art, du goût et de la muséographie du XXe siècle. Dès 1975, l'historien de l'art André Chastel écrivait : « Beaucoup de voyageurs d'Italie le connaissent sans l'avoir identifié : c'est le plus grand scénariste d'exposition d'art qui existe là-bas, et sans doute dans toute l'Europe. » Aujourd'hui au panthéon des muséographes, l'architecte italien méritait cet ouvrage rédigé au plus près de ses réalisations et de son dialogue avec l'oeuvre d'art, qu'elle soit classique ou contemporaine. Grâce à l'historien de l'architecture Philippe Duboÿ, qui l'a connu et eu accès à de nombreuses archives, il réunit les rares textes autographes de Carlo Scarpa et une expographie détaillée, de l'immédiat Après-guerre aux années 1970. Il rend compte de sa pensée artistique globale comme de ses qualités scénographiques. Ses réalisations pour la Biennale de Venise, ses monographies de Piet Mondrian et Marcel Duchamp, ses collaborations avec Lucio Fontana et Arturo Martini et ses interventions dans de nombreux monuments historiques dessinent le parcours de l'un des architectes les plus subtils et originaux du XXe siècle, dont la prolifique carrière a profondément renouvelé l'art de l'exposition.
Cette publication s'inscrit dans la collection Lectures Maison Rouge, dont l'ambition est de proposer des textes d'artistes qui interrogent à la fois la muséographie, l'écriture de l'exposition et le travail de certains artistes eux-mêmes, sous la direction de Patricia Falguières.
Published on the occasion of her exhibition at the Palais de l'Athénée, Geneva (September 18-October 18, 2025) following her Prix de la Société des Arts de Genève award in 2025, this new artist's book by Shirana Shahbazi is fully dedicated to her "Displacement" series (2023-2025). To describe it, she states: "I use multiple exposure and overlapping to create an independent experience of time and space. The simultaneity of different realities is relevant to many of us. I think a lot about how to depict these complex realities."
Designed by Norm, Zurich, this publication is itself an inquiry into space and time, and our relationship to them. Each alternate page is trimmed short, creating new perceptions. The artist adds: "I enjoy deconstructing rooms, creating new ways of experiencing them. Sharpening the awareness while you see the works." The latest book in a series of acclaimed photography publications, this volume is characteristic of Shahbazi's distinctive and conceptually rigorous approach to photography in which light, vibrant color field, and layering play key roles. Flipping through the pages of An Exciting Opportunity Lies Ahead of You is a dream-like journey through architecture and senses.
22,5 mètres de haut et 350 tonnes d'acier... Conçu par Jean Tinguely en collaboration avec Niki de Saint Phalle et leurs amis artistes - Eva Aeppli, Arman, Philippe Bouveret, César, Seppi Imhof, Pierre Marie Lejeune, Bernhard Luginbuhl, Jean-Pierre Raynaud, Larry Rivers, Jesús-Rafael Soto, Daniel Spoerri et Rico Weber -, Le Cyclop est une oeuvre sculpturale monumentale située à Milly-la-Forêt, près de Fontainebleau, aux portes de Paris.
Au coeur d'un environnement naturel qui lui offre un cadre unique et renforce sa présence spectaculaire, Le Cyclop est l'une des oeuvres d'art dans l'espace public les plus audacieuses du XXe siècle. Immense tête sans corps, recouverte de miroirs étincelants, il est presque entièrement composé de matériaux trouvés et industriels. Son intérieur abrite un univers surprenant, à découvrir au fil d'un parcours labyrinthique, ponctué d'oeuvres d'art et de curiosités tour à tour ludiques et mélancoliques : des sculptures sonores, un petit théâtre automatique, de folles machines métalliques et des hommages à Marcel Duchamp, Yves Klein et Kurt Schwitters, entre autres oeuvres. Dada, le Nouveau Réalisme, l'art cinétique et l'art brut font corps dans ce projet d'art total. Fruit d'une aventure collective, Le Cyclop est une utopie forgée quasi clandestinement, pendant plus de vingt-cinq ans, par une « équipe de sculpteurs fous », comme aimait le dire Jean Tinguely.
Préfacée par Béatrice Salmon et Aude Bodet, cette publication de référence déploie l'histoire du Cyclop grâce à des essais inédits d'historiens de l'art et d'universitaires reconnus (Baptiste Brun, Jill Carrick, Dominik Muller, Camille Paulhan et Denys Riout), à une chronologie détaillée, ainsi qu'à une riche documentation et des archives de sources internationales. Elle révèle enfin l'état actuel du Cyclop après sa récente restauration complète par le Centre national des arts plastiques, l'institution chargée de la conservation de l'oeuvre, donnée à l'État français en 1987.
En étudiant Le Cyclop en lien avec les autres oeuvres de Jean Tinguely et de ses collègues artistes, ainsi qu'en rapport avec l'histoire de l'art contemporain, l'ouvrage propose une étude approfondie d'une réalisation majeure du XXe siècle, laquelle offre aujourd'hui encore une expérience de visite inégalée.
A travers une importante collection de documents et d'essais inédits, cette publication explore l'histoire de l'aire de jeu en tant que construction éducative, architecturale, artistique et politique, tout en rendant hommage aux figures importantes et oubliées de cette aventure ludique.
Avec Marjory Allen, Joseph Brown, Riccardo Dalisi, Richard Dattner, Aldo van Eyck, M. Paul Friedberg, Group Ludic (Xavier de la Salle, Simon Koszel, David Roditi), Alfred Ledermann & Alfred Trachsel, Palle Nielsen, Egon Møller-Nielsen, Isamu Noguchi, Joseph Schagerl, Mitsuru Senda, Carl Theodor Sørensen.
Publié à l'occasion des expositions éponymes à la Kunsthalle Zürich, du 20 février au 15 mai 2016, et à la Bundeskunsthalle, Bonn, du 13 juillet au 28 octobre 2018.
Seconde édition, révisée et augmentée, de l'ouvrage par en 2016 (ISBN 978-3-03764-454-6).
L'anthologie d'écrits et d'entretiens rédigés et réalisés sur plus de quarante ans (première édition en français) : un éclairage aussi fascinant que détaillé sur l'univers de l'un des artistes majeurs de la scène contemporaine.
Monographie dédiée à la série clé des Paperback Covers de l'artiste américain (des peintures de fausses couvertures de livres de poche bon marché reprenant les codes de la tradition graphique anglo-saxonne) : une contre-encyclopédie des désirs et névroses culturels, scientifiques et sociétaux du XXe siècle.
Issus du vaste corpus des Dream Drawings, les Paperback Covers (1996-2013) reprennent les dimensions de couvertures de livres. La référence à la physicalité des livres de poche bon marché est combinée à un clin d'oeil à la tradition graphique anglo-saxonne, avec ses images pleine page et ses logos d'éditeurs ou de collections. Ne manque plus que le texte. Sans titres, sans auteurs, mais non sans fictions, les tableaux dépeignent des scènes oniriques dont les intitulés éclairent les éléments narratifs, condensant le récit en une seule image, dans laquelle le narrateur à la première personne s'identifie comme Jim Shaw. Ils deviennent des instantanés possibles de l'autobiographie de Shaw, mais ils constituent également un répertoire de formes et de références culturelles dont le livre de poche n'est qu'un aspect. Les bandes dessinées, les illustrations, la peinture naïve et savante, les récits fantastiques et populaires sont tous évoqués par le corpus. Collection de courts-circuits favorisant l'imagination et la subjectivité, les Paperback Covers constituent une contre-encyclopédie des désirs et névroses culturels, scientifiques et sociétaux du XXe siècle.
Edité par Marc Jancou, présenté par Lionel Bovier et Samuel Gross, l'ouvrage rassemble la totalité des Paperback Covers inventoriées, accompagnées de In Memory of Godzilla: Reading Material for Jim Shaw, un ouvrage de création littéraire de l'écrivain et critique d'art londonien Charlie Fox, conçu comme un tremplin pour la libre association.
Publiée à l'occasion de l'exposition rétrospective de Dorothy Iannone au M KHA (Anvers) en 2023-2024, l'une des plus vastes et complètes jamais conçues, cette publication jette un nouvel éclairage sur la pratique de l'artiste légendaire en traitant spécifiquement de son approche idiosyncrasique de la performativité et de la transdisciplinarité - notamment à travers son utilisation de pièces audio et vidéo, et de l'écriture créative - ainsi que de sa pensée et de son imagerie uniques concernant le féminisme, la sexualité et le désir féminins. De nouveaux essais de la commissaire américaine Alison Gingeras, de la commissaire française et universitaire Ana Mendoza Aldana et de la commissaire du M KHA Joanna Zielinska, ainsi qu'une sélection d'oeuvres rarement reproduites - en particulier la série « People » (1966-1968) - offrent autant de nouvelles approches pour célébrer son oeuvre et sa vie.
Première traduction en français de l'ouvrage de Carla Lonzi (1931-1982), document inestimable sur l'art italien des années 1960, paru pour la première fois en 1969 avant d'être oublié très vite, sans doute aussi en raison du fait que son auteure décida d'abandonner l'activité de critique d'art pour l'engagement féministe radical.
Le troisième titre de la collection de DVD dédiée aux pratiques curatoriales et à l'histoire des expositions, consacré à la 33e Biennale de Venise et au 2e Salon des galeries-pilotes de Lausanne.
Publiée à l'occasion de l'exposition majeure de Francis Alÿs au Musée Cantonal des Beaux-Arts de Lausanne en 2021, cette monographie s'articule autour de quelques motifs essentiels qui caractérisent la pratique de l'artiste d'origine belge basé au Mexique : sa pratique vidéo révolutionnaire depuis trente ans ; l'importance de la déambulation et de la marche pour sa méthode artistique ; son intérêt pour les jeux d'enfants qu'il filme dans différents pays depuis 1999. De la déambulation urbaine à l'exploration des territoires et de leurs frontières documentée par des images en mouvement, le travail d'Alÿs propose une poétique de l'espace à travers des récits brefs dont la finesse et la justesse expliquent sa renommée. Si son travail interroge le lien entre acte artistique et intervention politique, l'artiste travaille toujours par allusions, avec une précision et une économie de moyens remarquables, préférant la polysémie poétique au commentaire politique frontal, privilégiant la fusion d'espaces imaginaires planifiés avec ses propres espaces fictionnels. La publication documente également Reel-Unreel, l'un des projets majeurs d'Alÿs réalisé en Afghanistan, comprenant des jeux pour enfants et des boucles d'animation dessinées à la main ainsi que des peintures et des oeuvres graphiques.
Abondamment illustré, édité et introduit par la commissaire du MCBA Lausanne Nicole Schweizer, le livre comprend des essais détaillés de Julia Bryan-Wilson, professeur d'histoire de l'art, Université de Californie, Berkeley, Luis Pérez-Oramas, commissaire indépendant et écrivain, New York, et Judith Rodenbeck, professeur associé, Département des médias et des études culturelles, Université de Californie Riverside.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au Musée cantonal des Beaux-Arts, Lausanne, en 2021-2022.
François Bovier et Adeena Mey ont rassemblé les textes que René Berger a consacrés à l'emergence et à la généralisation de l'art vidéo entre 1971 et 1997. Empruntant des outils d'analyse à la cybernétique et à la sémiologie, Berger décrit le « vidéoart » comme une pratique à l'intersection de plusieurs médias qui interroge la valeur d'exposition de l'art en introduisant un facteur temporel. La vidéo participe à un effet de « dislocation » et de « relocation » de l'oeuvre d'art, questionnée ici dans la perspective des nouvelles images animées et de l'essor de l'informatique.
Première monographie de l'artiste colombienne.
Rassemblant des essais de la critique d'art et commissaire d'exposition française Stéphanie Cottin, spécialiste d'Emma Reyes, et du commissaire d'exposition péruvien Miguel A. López, ainsi que des documents d'archives, une biographie et des extraits des mémoires d'enfance de Reyes, cette publication constitue une introduction à la pratique unique de la peinture et du dessin que l'artiste colombienne a développée du milieu des années 1940 au début des années 2000 en Argentine, aux États-Unis, au Mexique, en Italie, en Israël, en Colombie et en France, où elle s'est finalement installée en 1960.
L'ouvrage présente notamment les principales séries de tableaux datant des années 1980 et du début des années 1990 : c'est sans doute à ce moment qu'Emma Reyes est la plus éloignée de l'Occident et y déploie une « cosmovision » propre à l'Amérique du sud, après avoir flirté, à Rome et à Paris, avec les « ismes » de son époque (post-Cubisme, Expressionnisme abstrait, Nouveau Réalisme et art cinétique). D'une première série intitulée Portraits imaginaires qui sont comme tissés, en noir et blanc, dans une même étoffe primordiale, va naître, à la fin des années 1970, cette période flamboyante, qui fait ressurgir ses origines, les souvenirs de sa traversée de l'Amérique latine au tout début des années 1940 et de son séjour dans la jungle paraguayenne. Les couleurs sont vives et toujours déployées par une ligne arachnéenne qui construit les tableaux. Elle fait apparaitre des individus au milieu d'une végétation luxuriante, d'une jungle compagne. L'humain ainsi représenté est aussi végétal. Quand il ou elle est représentée avec un animal, un fruit dans les bras ou devant la bouche, c'est le récit de cette longue histoire de parenté qui nous est narrée. Loin d'un souhait de retour à l'état sauvage, c'est une conception décentrée de l'humain, en dialogue avec son environnement qui est appelée de ses voeux par l'artiste. Emma Reyes représente également des fleurs, des fruits et des légumes en gros plan, comme des corps vivants. En utilisant systématiquement des cadrages très serrés, elle transforme notre rapport à la nature, elle nous en rapproche. Comme Georgia O'Keeffe, elle appelle le regardeur à vraiment les voir. Ces portraits magistraux de fleurs et de fruits trop grands pour les cadres qui les emprisonnent, l'éloignent des préoccupations formelles de sa génération, mais lui permettent de renouer avec l'expression pleine et entière de son identité culturelle.
Une anthologie des travaux vidéo réalisés par Thomas Hirschhorn pendant les années 1990 : treize vidéos peu connues et accessibles de l'artiste suisse installé en France.
Monographie rétrospective (la première publication complète consacrée à l'oeuvre de Pierrette Bloch des années 1950 à 1980), permettant de replacer un art longtemps resté en marge des grands courants artistiques dans le contexte des différents mouvements ayant jalonné les décennies d'après-guerre.
Abondamment illustrée, cette monographie de l'artiste argentino-suisse Vivian Suter propose une approche immersive de la pratique de cette grande figure de la peinture abstraite, dont les toiles libres et suspendues en déjouent les codes, proposant une relation physique avec le public, et développant une relation nouvelle avec le monde naturel.
Vivian Suter est née en 1949 à Buenos Aires de parents européens exilés - son père possédait une imprimerie textile à Buenos Aires, tandis que sa mère, Elisabeth Wild, était artiste. À l'âge de 12 ans, sous le régime Peron, sa famille s'installe à Bâle, en Suisse, où Vivian Suter étudie la peinture. En 1982, peu après sa première grande exposition collective à la Kunsthalle de Bâle, elle visite l'Amérique latine et s'installe l'année suivante à Panajachel, au Guatemala, près du lac Atitlán. L'atmosphère locale, le climat, la végétation et les animaux sont devenus des thèmes centraux de son travail. Les oeuvres de Vivian Suter, peintes sur du manta tendu et exposées non tendues, restent sans titre et sans date. Les traces de pluie, de boue, de feuilles, mais aussi les empreintes laissées par ses chiens - Bonzo, Tintin, Nina et Disco - contribuent à la qualité organique et vivante des peintures. Lorsqu'elles sont exposées, celles-ci se chevauchent souvent, sont suspendues et bougent au gré du vent, des courants d'air ou des mouvements des visiteurs.
Parmi ses principales expositions : Kunstmuseum Olten, 2004 ; Kunsthalle Basel, 2014 ; Biennale de São Paulo, 2014 ; documenta 14, Kassel et Athènes, 2017 ; Power Plant, Toronto, 2018 ; the Art Institute of Chicago, 2019 ; Camden Art Centre, Londres, 2020 ; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2021 ; Secession, Vienna, 2023. Ses oeuvres figurent dans des collections prestigieuses telles que la Tate à Londres, le musée d'art moderne de Varsovie, le Solomon R. Guggenheim Museum à New York, le Kunstmuseum Basel et le Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía à Madrid.
Publié à l'occasion des expositions de l'artiste au MAAT, Lisbonne, et au Palais de Tokyo, Paris, en 2024-2025.
