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Norma
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Né en 1935 en France, Jean-Louis Avril étudie l'architecture à l'école nationale supérieure des Beaux-Arts. La technique est au centre de son processus de construction. Dans ces années 60, il participe à la contestation avec une génération d'étudiants et de jeunes professionnels dont le groupe AJS Aérolande, Roland Castro et de nombreux artistes contemporains. Il se passionne pour le jazz et s'intéresse à l'art minimal américain en particulier à l'oeuvre de Donald Judd.
Cette monographie retrace son parcours et se concentre sur son mobilier, qui représente le goût et les aspirations d'une génération de baby-boomers. Il imagine une collection de son temps, démocratique et recyclable. Le choix du Celloderm, un dérivé du carton, permet un langage simple et juste sur le plan du design. Les solutions affichent des idées fortes : une belle forme, une fonction pratique, un prix accessible. Ses créations connaissent un grand succès. Sélectionné dans des expositions historiques : « L'Univers des jeunes » en 1967, « Les Assises du siège contemporain » en 1968, la Triennale de Milan en 1968, il connait une reconnaissance médiatique, avec de nombreuses parutions presse. Avec la création de la société Marty-Lac (Les applications du carton) en 1967 associé avec son beau-père, il rencontre un succès commercial en développant de nombreux modèles de meubles, assises, tables, lits, étagères et luminaires. Ils proposent une stratégie, un catalogue, des points de vente et une exportation en Angleterre avec Hull traders. Il conçoit même un magasin expérimental à Saint-Tropez avec Andrée Putman. Fidèle à son engagement d'architecte, il imagine aussi des espaces intérieurs d'une grande efficacité spatiale -
Cette monographie sur le sculpteur François Pompon est proposée pour le centenaire de son fameux Ours blanc. Inédite dans le paysage éditorial, elle retrace l'histoire et l'oeuvre de l'artiste. L'ouvrage comprend deux parties, agrémentées des livres de comptes de Pompon : une biographie illustrée bilingue, suivie du répertoire des oeuvres.
Résolument moderne, François Pompon a vivifié l'art animalier du début du XXe siècle, par sa conception originale de
la forme et l'émotion produite. Il consacra pourtant la plus grande partie de sa vie à exécuter des compositions pour d'autres sculpteurs, jusqu'au jour où il se mit à l'étude des animaux par choix et par goût. En s'inspirant des principes de l'Antiquité tout en remettant en question les conventions de la statuaire traditionnelle, il créa un style réaliste, suggestif
et simplifié. L'Ours blanc porta la carrière du sculpteur à son apogée et en est aujourd'hui, le symbole.
Pompon représente l'animal dans son quotidien, pour lui-même et sans mise en scène. Il trouve l'équilibre entre
réalisme, vérité et abstraction de détails inutiles. Les surfaces sont polies et rondes, conduisant à une beauté apaisante et compréhensible au premier regard. Résultat d'un long travail manuel et expérimental, cet élan créateur mène François Pompon vers de nouveaux chefs-d'oeuvre sublimant le monde animalier. Ours, sanglier, -
Odette Pauvert
Alice Thomine-Berrada, Thibaut Gemignani, Francesca Alberti, Hélène Duret, Bruno Gaudichon, Blandine Chavanne, Julie Schowing, Anaïd Demir, Adèle Taillefait
- Norma
- 7 Novembre 2025
- 9782376661153
« Mon ambition est de me consacrer aux grandes décorations murales, à la fresque, qui m'intéresse plus que tout. [...]
Vous voyez que mes ambitions sont vastes ! »
Première femme à obtenir le Grand Prix de Rome en peinture en 1925, à seulement 22 ans, Odette Pauvert (1903-1966)
est une figure méconnue du XXe siècle, à contre courant des avant-gardes. Après un voyage à Pise où elle découvre
les fresques monumentales du Camposanto, elle est durablement inspirée par le Quattrocento italien, notamment par Pisanello,
Piero della Francesca ou encore Gozzoli. Née dans une famille de peintres et de miniaturistes, elle revendique
un style classique et décoratif, et la tradition de la peinture d'histoire et de la fresque.
D'abord élève à l'École des Beaux-Arts de Paris, où elle prend part à l'atelier de Ferdinand Humbert, puis pensionnaire
pendant 3 ans à Rome, elle intègre les Ateliers d'art sacré en 1929, et passe l'année 1934 à la Casa Velázquez à Madrid,
aux côtés d'Alfred Giess et de René Cottet. Elle participe au Salon des artistes français de 1923 à 1966.
Peintre du monumental comme de la miniature, elle participe à de grands chantiers comme l'Église du Saint-Esprit à Paris,
qui sera sa commande la plus importante, et se distingue tout particulièrement avec ses autoportraits, sujet singulier
pour une femme de cette époque.
Une première rétrospective lui est dédiée en 1986 au musée Sainte-Croix de Poitiers. -
Catalogue de l'exposition au musée de Valence du 28 septembre 2025 au 11 janvier 2026
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Gustave Caillebotte : La peinture est un jeu sérieux
Amaury Chardeau
- Norma
- 18 Octobre 2024
- 9782376660927
De Gustave Caillebotte, redécouvert sur le tard en 1994 lors du centenaire de sa mort, on sait peu de choses. Mécène du mouvement impressionniste auquel il s'était joint aux côtés de Monet, Degas, Pissarro ou Renoir, il a été le peintre du Paris haussmannien, des Raboteurs de parquet, d'élégants passants abrités sous leurs parapluies, de quelques vigies urbaines juchées sur des balcons. On sait aussi qu'il s'est piqué de navigation à voile dont il a été l'un des meilleurs régatiers et un architecte visionnaire. Qu'il s'est intéressé à l'horticulture dans son jardin des bords de Seine où il a trouvé la mort, jeune. Mais on se souvient surtout de son legs, ses toiles impressionnistes données à l'État dans un spectaculaire coup de force et qui ont constitué le socle des collections du musée d'Orsay. Pourtant, l'essentiel de sa personnalité, de son tempérament intime nous échappe. Le décès précoce de son jeune frère, sa traversée de la guerre de 1870, ses amitiés, sa mystérieuse compagne Charlotte, tant d'éléments restent dans l'ombre. Or chez Caillebotte, la peinture est le reflet de la vie, elle s'apparente à un journal intime. Dans cette enquête, les découvertes biographiques éclairent son oeuvre et renouvellent l'interprétation de certaines toiles. On y découvre un caractère passionné, curieux, cerné par l'inquiétude, s'investissant sans compter dans toutes ses passions, à commencer par l'art. Émerge aussi un goût pour l'humour et le commentaire social. Sous les pinceaux du peintre, la peinture devient un jeu de piste, où les indices invitent au déchiffrement. Un jeu sérieux, tant sa vie même fut l'inverse d'une sinécure. Amaury Chardeau est journaliste, documentariste et producteur de radio.
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Figure incontournable de l'abstraction, Joan Mitchell (1925-1992) a trouvé une inspiration inépuisable en la présence de ses chiens. Compagnons fidèles l'accompagnant entre New York et Paris, en passant par sa propriété de Vétheuil, ils sont les seules âmes admises dans son studio lorsqu'elle y travaille. Parmi eux, Patou, un épagneul breton, et Iva, un berger allemand, ont été particulièrement importants, et nombre de ses tableaux portent le nom de ses chiens.
Richement illustré d'oeuvres de l'artiste et de photographies d'archives, cet ouvrage ouvre les portes de son intimité et laisse entrevoir son processus de création.
Joan Mitchell et ses chiens est le troisième livre de la collection Amigos Forever (dont le titre est un clin d'oeil à Picasso et Lump) qui propose un regard sur la vie et l'oeuvre de grands artistes et amoureux de l'art du XXe et du XXIe siècle sous l'angle de la relation aux « chiens de leur vie ». Des ouvrages érudits et légers, confiés aux meilleurs spécialistes, mêlant témoignages et récits, citations, photographies d'archive et reproductions d'oeuvres, qui invitent à une approche singulière, entre sensibilité et humour, de la vie et de l'oeuvre de Pablo Picasso, Joan Mitchell, Andy Warhol, Francis Picabia, Pierre Bonnard, David Hockney, William Wegman, ou encore Gertrude Stein, Peggy Guggenheim, Yves Saint Laurent... -
Monographie sur le céramiste Georges Jouve
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Andrea branzi, le regne des vivants
Nicoletta Morozzi, Marie-Ange Brayer
- Norma
- 18 Juillet 2025
- 9782376661108
Designer, architecte, théoricien, professeur, auteur de nombreux ouvrages, Andrea Branzi a accompli une oeuvre considérable, tournée vers une expérimentation radicale du design, qui interroge la société post-industrielle des XXe et XXIe siècles.
Membre du groupe Archizoom Associati de 1964 à 1974, il participe à la création du Studio Alchimia en 1977 avant de rejoindre le collectif Memphis en 1981. À travers dessins, objets de design, projets d'architecture, peintures ou encore installations, Branzi s'intéresse au rapport entre le design industriel et la notion de « nature », qui n'existe plus en tant que telle, mais devient une « seconde nature » artificielle. Pour Branzi, le design est avant tout émotionnel. Son oeuvre protéiforme questionne l'environnement domestique et les objets qui nous accompagnent : comment donner « un monde hospitalier » aux hommes, aux vivants ? Quel est le sens de notre appartenance au « règne des vivants » ?
Catalogue de l'exposition « Andrea Branzi, le règne des vivants » se tenant au musée des impressionnismes Giverny du 11 juillet au 2 novembre 2025, dirigé par Marie-Ange Brayer, conservatrice en chef, cheffe du service Design et prospective industrielle au musée national d'Art moderne, Centre Pompidou. -
Le 35 S. L'Atelier de Le Corbusier : 1924-1965
Didier Teissonniere
- Norma
- 18 Octobre 2024
- 9782376660910
Le 18 septembre 1924, Le Corbusier s'installe au 35, rue de Sèvres, à Paris, au premier étage de l'aile désaffectée d'un couvent occupé par des Jésuites. Il y bénéficie de « la disposition de murs très importants pour l'étude des dessins », pour achever son pavillon de l'Esprit nouveau à l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925. Le plus emblématique des architectes du xxe siècle y restera quarante ans, jusqu'à sa mort en 1965. Quarante années pendant lesquelles défileront dans ce couloir de 40 m de long, 3,50 m de large et 4 m de haut, plus de deux cents architectes venant d'une quarantaine de pays, au premier rang desquels Charlotte Perriand, Pierre Jeanneret, Iannis Xenakis, Josep Lluis Sert, André Wogenscky, Roger Aujame, José Oubrerie, Junzo Sakakura... S'appuyant sur une iconographie en partie inédite et des témoignages d'anciens collaborateurs, cet ouvrage retrace en détail la vie de ce lieu emblématique, de sa naissance à sa destruction. Il restitue, grâce à des photographies d'époque, les nombreux réaménagements de Le Corbusier, comme la création de son studiolo de 6 mètres carrés dans lequel il expérimenta les grands principes de son architecture. Il revient également sur l'incroyable aventure humaine du 35S et dresse le portrait d'un homme habité par son art - l'architecture, comme la peinture -, ses idées et ses projets.
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Agrémentée d'une nouvelle introduction, Charlotte Perriand et l'aventure des Arcs est une reprise des parties consacrées à la montagne et aux Arcs de l'oeuvre complète, volume 3 et 4. Dès 1934, Charlotte Perriand mène une réflexion architecturale sur les loisirs pour tous, mais c'est avec les Arcs, son grand oeuvre, qu'elle mène à terme sa réflexion sur l'art d'habiter la montagne.
Aux côtés du promoteur Roger Godino, Charlotte Perriand déploie toutes les facettes de son immense talent : design, urbanisme, mais aussi architecture bioclimatique, dont elle est pionnière en la matière. Elle compose avec les contraintes financières et temporelles pour penser en grande partie les Arc 1600 et 1800. Grâce à sa persévérance et son inventivité croissante, à son intégration de l'architecture dans les sites, à son approche innovante et humaine de la ciculation, de la vie qu'elle insuffle, notamment sur les toits, elle fait de cette station un endroit convivial, en accord avec l'environnement. Charlotte Perriand pense l'extérieur comme l'intérieur, jusque dans les moindres détails. Modernité et influences japonaises sont de mises. Ainsi, elle conçoit l'architecture intérieure de plus de 4 500 logements, 25 000 lits, pour un flux annuel de plus d'un million de personnes. Son souhait de conjuguer art de vivre en montagne et habitation pour le plus grand nombre, est largement réalisé. Consécration posthume pour l'artiste, les Arc 1600 et 1800 sont labélisés « Patrimoine architectural du xxe siècle » en 2003. -
Philippe Prost architecte : La mémoire vive
Jean-Philippe Hugron, Aïtor Ortiz, Francis Rambert, Raphaëlle Saint-Pierre, William Van Andringa
- Norma
- 15 Novembre 2024
- 9782376661016
Lauréat du Grand Prix national de l'architecture en 2022, Philiippe Prost développe depuis 30 ans, avec son atelier, une réflexion architecturale sur l'existant patrimonial, fondée sur les liens étroits entre la mémoire et la création, initiée à travers le patrimoine militaire, et plus particulièrement les forteresses de Vauban auxquelles il a consacré un ouvrage Vauban, le style de l'intelligence.
De son premier projet, la citadelle de Belle-Île-en-Mer (1991-2006), au Port Vauban à Antibes, en passant par l'Anneau de la mémoire sur le site de la Grande Guerre à Notre-Dame-de-Lorette (2011-2014), l'installation d'un campus des métiers d'art dans les écuries de Versailles, la transformation la Cité des Électriciens dans le Bassin minier ou la rénovation de l'hôtel de la Monnaie à Paris, chaque projet de son Atelier est matière questionner le lieu sur lequel il intervient, développer une réflexion sur l'inscription de son architecture dans le temps, en pensant tout autant l'existant que le futur. L'architec- ture de Philippe Prost cherche donc à entrer en résonance, dialoguer, et établir une relation avec les lieux qu'elle investit. -
Charlotte Perriand, l'oeuvre complète Tome 1 ; 1903-1940
Jacques Barsac
- Norma
- 12 Mai 2015
- 9782915542608
Pendant sept décennies, Charlotte Perriand (1903-1999) a contribué à façonner le Inonde de ses inventions, laissant derrière elle un sillage d'images, d'objets, de lieux et d'édifices, autant de registres d'une oeuvre qui apparaît désormais dans toute son ampleur.
Ce premier volume de l'oeuvre complète offre une analyse détaillée de ses premières années de création, très fertiles, aussi bien dans le domaine du design que de l' architecture ou de la photographie. S'appuyant une grande partie sur les archives conservées par la famille de l'artiste dans son atelier parisien, il permet de faire la lumière sur ses sources, son environnement, ses années d'apprentissage à l' école de l'Union centrale des arts décoratifs, ainsi que sa rencontre et son association avec Pierre Jeanette et Le Corbusier, en 1928, qui va donner naissance à des meubles emblématiques tels que la Chaise longue basculante (1928), et à ses premiers aménagements (la villa Savoye, la villa Church, la villa MARTINEZ de Hoz).
Il nous fait également découvrir son engagement militant, qui l'amène à voyager à Moscou, puis à réfléchir à une architecture vernaculaire au service du peuple, qui aboutira notamment, dans les années 30, à la Maison au bord de Peau (1934), à un centre de vacances (1935), ou encore à ses premières architectures de montagne.
Les années 30 sont par ailleurs celles de la création de l' UAM, dont elle est l'un des membres fondateurs aux côtés de Robert Mallet-Stevens, mais aussi de sa rupture idéologique avec Le Corbusier, qui va l'amener, à l'orée de la Seconde Guerre mondiale, à faire cavalier seul.
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Jean Luce et le renouveau de la table française (1910-1960)
Moon Cho Sung
- Norma
- 10 Mai 2024
- 9782376660903
En 1925, Jean Luce est, à 30 ans, le seul artiste spécialiste des arts de la table à posséder un espace personnel
à l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de Paris. Sa longue carrière, débutée en
1911 à l'exposition du musée Galliera, se poursuivra jusqu'à la fin des années 50. Elle lui permet de traverser de
nombreux mouvements du XXe
siècle dont l'Art nouveau, l'Art déco ou le modernisme. Tout d'abord admiré, dans
les années 20, pour la qualité et l'originalité de ses décors et ornements géométriques, il s'impose, à partir des
années 30, grâce à son travail de renouveau des formes. Des créateurs et décorateurs comme Pierre Chareau,
Charlotte Perriand, Rob Mallet-Stevens ou Djo Bourgeois n'hésitent pas à mettre en scène ses modèles sur leurs
stands ou dans leurs intérieurs. Personnalisant ses créations, il crée des services pour de prestigieux clients tels
le maharajah d'Indore ou Paul Cavrois. Ses créations s'adressent également à un public plus large, qu'il touche
aussi bien en France grâce à des points de vente comme Steph Simon ou Pilote, qu'aux Etats-Unis ou il s'impose
au début des années 50. Toujours à l'affut des innovations techniques et industrielles, il continuera de créer après
la Seconde Guerre mondiale, en collaborant notamment avec des entreprises comme Duralex qui lui permettront
de poursuivre sa réflexion sur le fonctionnalisme. -
Henri Quillé : Formentera
Guy Bloch-Champfort, Antoine Rozès, Sophie Cambrillat, Tanit Quillé
- Norma
- 6 Juin 2025
- 9782376660507
Diplômé de l'Ecole Boulle et de l'ENSAD, HENRI QUILLE (1928-2020), passionné par Le Corbusier et le Modulor, s'installe sur l'île de Formentera (Baléares) en 1972. Il y construit pour une clientèle principalement internationale 30 maisons d'une grande cohérence et s'inscrit tant dans des principes issus de savoir-faire vernaculaire que dans ceux des grands maîtres de la modernité. Il dit « poursuivre » l'architecture locale, notamment en faisant largement usage de la voûte catalane, réduisant les ouvertures pour se protéger de la chaleur, recouvrant les murs extérieurs d'un enduit fait de chaux et de sable. Précurseur de l'habitat écologique, il élèvera une dizaine de maisons autosuffisantes. Avec les architectes Felix Julbe et Raimon Torres, il collabore au plan régulateur et aux travaux de planification de l'île de Formentera de 1973 à 1976. Marqué par ses études à l'Ecole Boulle, il dessine tables, chaises, bureaux, canapés, le tout en bois exotique, qu'il fait réaliser sur place par un menuisier/ébéniste qu'il forme à cet effet, et dont il meuble ses maisons. Mêlant plans, photographies d'époque et prises de vue contemporaines, cet ouvrage permet de redonner à cet architecte et à ses maisons leur juste place dans l'histoire de l'architecture du XXe siècle.
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Yves Saint Laurent est le deuxième livre de la collection Amigos Forever. Cette collection (dont le titre est un clin d'oeil à Picasso et Lump) propose un regard sur la vie et l'oeuvre de grands artistes et amoureux de l'art du XXe et du XXIe siècle sous l'angle de la relation aux « chiens de leur vie ». Des ouvrages érudits et légers, confiés aux meilleurs spécialistes, mêlant témoignages et récits, citations, photographies d'archive et reproductions d'oeuvres, qui invitent à une approche singulière, entre sensibilité et humour.
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Réédition largement augmentée de l'édition de 2003, cette monographie richement illustrée revient sur le parcours de Roger Capron (1922-2006), seul céramiste français de son époque qui ait à la fois accompli une importante oeuvre artistique et fondé une entreprise individuelle de premier plan. Après avoir suivi l'enseignement du décorateur René Gabriel, Capron crée en 1946 avec Robert Picault l'atelier de céramique Callis à Vallauris participant à la renaissance de la céramique, faisant du beau à la portée de tous. Apparaissent à cette époque les formes et représentations emblématiques de son travail : branchages, personnages stylisés, soleils et motifs géométriques. En 1952, il rachète une poterie désaffectée et commence son aventure industrielle en fabriquant carreaux émaillés, mobilier d'appoint et panneaux décoratifs. A la fin des années 50, la commande d'une fresque de 300 m2 pour la gare maritime de Cannes lui fait découvrir la céramique architecturale qu'il mettra en oeuvre dans d'autres productions telles que la piste de danse en grès de l'hôtel Byblos de Saint Tropez. Enfin dans les années 80, Capron aborde un travail nouveau avec des pièces uniques proches de la sculpture. Basée sur le texte original de Pierre Staudenmeyer, cette version est enrichie par des des focus thématiques et un entretien exclusif entre Jacotte Capron, veuve de l'artiste, et Flavien Gaillard, spécialiste des arts décoratifs du XXe siècle, ainsi que par un répertoire de formes enrichi vient compléter la monographie.
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Charlotte Perriand, l'oeuvre complète Tome 2 ; 1940-1955
Jacques Barsac
- Norma
- 11 Juin 2015
- 9782915542714
Ce deuxième volume de l'oeuvre complète de Charlotte Perriand retrace des périodes particulièrement importantes de son oeuvre: ses deux séjours au Japon en 1940-1941 et 1953-1955, et ses réalisations pour la Reconstruction, marquées par sa collaboration avec les Ateliers Jean Prouvé et de grands architectes de l'époque : Le Corbusier, Pierre Jeanneret, Paul Nelson, Jean de Mally, Kenzo Tangé etc.
Bien au-delà de son rôle de conseiller pour le gouvernement japonais, Charlotte Perriand récolte en 1941 une riche documentation photographique sur tous les aspects du Japon traditionnel pour les publier dans des journaux après la guerre. On retrouve dans cet ouvrage plus d'une centaine de ces photographies sur l'histoire de l'art du Japon, publiées pour la première fois.
Autre étape capitale dans son oeuvre : la convention de collaboration que Charlotte Perriand signe avec les Ateliers Jean Prouvé en 1952. Cette collaboration (1952-1955), est marquée par un ensemble de réalisations emblématiques et de chefs-d'oeuvre du design, comme les bibliothèques Mexique et Tunisie créées par Charlotte Perriand.
L'ouvrage relate également ses réalisations en Indochine où elle tente d'orienter l'artisanat et la petite industrie en 1943-1944, et détaille la collaboration de Charlotte Perriand et de Pierre Jeanneret après la guerre, notamment avec l'éditeur américain Knoll, et tous les chantiers pour l'Afrique, les cités universitaires (Antony, Maisons du Mexique et de la Tunisie, Maison de l'étudiant en Médecine), l'unité d'habitation de Marseille de Le Corbusier, ainsi que l'aménagement de nombreux appartements. Le livre montre également la naissance du mouvement Formes Utiles en 1949, dont Charlotte Perriand est co-fondatrice, qui marque profondément l'histoire du design en France, placée sous le signe de la synthèse des arts : objets utiles, peinture, sculpture, architecture.
Sont reproduites in-extenso les 60 pages de son fameux article L'art d'habiter pour la revue Technique et Architecture en 1950, qui explicitent sa pensée et sa démarche d'architecte d'intérieur et de designer.
Les auteurs Jacques Barsac est réalisateur d'une quarantaine de documentaires sur l'art et sur l'histoire, dont Charlotte Perriand et Le Corbusier pour lequel il a reçu le trophée de la promotion de l'architecture du ministère de l'Équipement.
Depuis 2002, il consacre son activité autour de l'oeuvre de Charlotte Perriand. Auteur de quatre ouvrages de référence : Charlotte Perriand, un art d'habiter, Éditions Norma, 2005, Charlotte Perriand et le Japon, Éditions Norma, 2008, Charlotte Perriand et la photographie, Édition 5 Continents, 2011.
Conseiller scientifique des expositions Charlotte Perriand depuis 2005, il a assuré le commissariat des expositions : Charlotte Perriand et la photographie,Petit-Palais, Paris, 2011 et Charlotte Perriand et le Japon , Musée d'Art moderne, Saint-Étienne, 2013.
Paul Thomson est le recteur du Royal College of Art, Londres. Il a été directeur, de 2001 à 2009, du Smithsonian's CooperHewitt, National Design Museum à New York. Il a également été le commissaire de l'exposition Charlotte Perriand: Modernist Pioneer and Modern Britain 1929-1939 au Design Museum de Londres.
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Ricardo Bofill, les années françaises
Jean-Jacques Aillagon, Michèle Champenois, Bjarke Ingels, Dominique Serrell
- Norma
- 3 Novembre 2023
- 9782376660804
Reconnu en Europe comme un architecte d'avant-garde dans les années 70, l'architecte catalan Ricardo Bofill fut appelé sur la scène française suite à la destruction des Halles de Baltard en 1971. Appelé à concourir en 1974, l'architecte tenta de renouer avec les formes historiques de l'architecture et de l'urbanisme parisiens. Écarté en avril 1978, après plus de 3 ans de projets et de maquettes par Jacques Chirac, premier maire de la Ville de Paris, qui préfèrera une architecture neutre et moins monumentale, Bofill va néanmoins jouer un rôle de premier plan dans l'élaboration des villes nouvelles en France, de 1972 à 1985, avec des projets aussi marquants que controversés : Abraxas à Marne-la-Vallée, le Lac, à Saint-Quentin-en-Yvelines, la Place Majeure, à Cergy-le-Haut, ou encore le le quartier Antigone de Montpellier.
Conçu comme un véritable journal de bord largement illustré, décrivant les relations étroites entre l'architecture et la politique sous Valéry Giscard d'Estaing et François Mitterand, cet ouvrage revient pour la première fois sur l'emblématique chantier des Halles, couvert par une clause de confidentialité jusqu'au décès de l'architecte, en 2021. À travers les récits de témoins de l'époque, Jack Lang, Jean-Jacques Aillagon, Paul Chemetov, Roland Catro... comme les archives du Taller, l'auteure décrit la prodigieuse ascension de Bofill au rang de superstar, ainsi que l'importance de l'architecture, alors au centre de toutes les conversations. -
Avec l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925, l'Art déco séduit le monde. De New York à Paris, la presse célèbre cet événement qui impose durablement ce style universel.
Traversant l'Atlantique à bord de fastueux paquebots tels Île-de-France et Normandie, des grands décorateurs français comme Jacques-Émile Ruhlmann, Jules Leleu, André Mare, Jean Dunand et Pierre Chareau exposent dans les grands magasins, de New York à Philadelphie.
Du Mexique au Canada, cet engouement est porté par des architectes nord-américains formés à l'École nationale des beaux-arts de Paris dès le début du xxe siècle, puis à l'Art Training Center de Meudon et à la Fontainebleau School of Fine Arts, deux écoles d'art fondées au lendemain d'une Première Guerre mondiale qui a renforcé les liens entre les deux continents. L'Amérique de Raymond Hood et de Wallace K. Harrison, auteurs du Rockefeller Center, adopte les architectes et artistes français Léon Arnal, Edgar Brandt, Jacques Carlu, Paul Cret, Alfred Janniot...
Les recherches inédites de cet ouvrage dévoilent une émulation réciproque qui s'illustre aussi bien dans l'architecture et l'ornementation des gratte-ciel que dans le cinéma, la mode, la presse, le sport et l'art de vivre. Le nouveau style est porté par des figures telles que Paul Iribe et Cecil B. DeMille, Jean Patou et Paul Poiret, Lindbergh, Costes et Bellonte, Joséphine Baker ou Johnny Weissmuller.
Trente-sept textes et 350 illustrations permettent de découvrir les liens uniques qui unissent la France et l'Amérique, depuis la statue de la Liberté de Bartholdi jusqu'au Streamline qui succède à l'Art déco. Ce nouveau design aux lignes fluides et galbées surgit dans les années 1930 et sera la vedette de la New York World Fair de 1939, qui a pour thème « The World of Tomorrow ». -
Pierre Chareau Tome 2 : aménagements intérieurs, architecture
Marc Bédarida, Raphaële Billé, Francis Lamond
- Norma
- 7 Avril 2023
- 9782376660538
Pierre Chareau, aménagements et architecture, opère une synthèse sans précédent de près de de 80 chantiers d'architecture d'intérieur (1908-1938), privés ou publics, comme de ses projets architecturaux (1925-1950). Il dévoile l'évolution de l'approche de Pierre Chareau en matière d'aménagement intérieur, de ses débuts de décorateur intégrant dans des espaces existants son mobilier, à l'avènement, au fil des projets, d'une approche résolument architecturale de l'espace, dans laquelle le meuble s'anime et devient architecture à part entière. Listant l'ensemble de ces chantiers, il livre une analyse détaillée et illustrée de vingt-cinq d'entre eux, en majorité commandités par trois familles, les Dalsace, les Bernheim et les Dreyfus. Ce second volume permet de découvrir l'engagement de longue haleine du créateur pour l'architecture. Il revient sur sa participation aux CIAM comme à la Société des architectes modernes ou au Rassemblement des architectes, ainsi que sa collaboration avec la revue L'Architecture d'aujourd'hui. Il offre une analyse critique sur l'activité de Pierre Chareau architecte, en décryptant les 13 projets sur lesquels il a travaillé, en France, de 1923 à 1938, puis aux États-Unis, de 1945 à 1950, du cabanon de Djemil Anik à l'atelier de Robert Motherwell à East Hampton. Ce livre offre enfin une analyse approfondie de la Maison de verre. En dressant le portrait de Jean Dalsace et de son épouse Annie, il permet de comprendre le rôle central des commanditaires dans ce projet. Il revient sur le contexte architectural et sociétal de l'époque, expliquant l'importance de la lumière et de l'hygiène dans la Maison de verre. Le chantier et ses vicissitudes sont restitués avant que ne soient décrits les grands principes qui ont présidé à la conception de la maison, suivies d'une analyse de ses volumes et de ses espaces.
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Publié à l'occasion des 100 ans de la découverte de la tombe de Toutankhamon et des 200 ans du déchiffrage de la pierre de Rosette, ce livre répond à un engouement et une curiosité toujours considérables pour l'Égyptomanie. Ce concept renvoie à un imaginaire collectif suscité par le songe, qui a été nourri tout au long des XIXe et XXe siècles par les fouilles archéologiques et les grands voyages. Ces découvertes majeures ont été un terreau fertile pour la création et particulièrement pour les artistes Art déco qui trouvèrent dans ses lignes et ses motifs, l'inspiration. Égyptomanie Art déco explore les origines et le fonctionnement de ce processus culturel et artistique, façonné par une multitude de champs. Publique, funéraire ou même ésotérique, l'architecture en est un témoin majeur. Le cinéma parisien le Louxor, du nom de la ville éponyme arbore dès 1921, des formes et des décors empruntés au monde des pharaons. Figures monumentales protégeant le canal de Suez ou bestiaire d'inspiration égyptienne, les sculpteurs prennent part au jeu. L'art populaire qui s'immisce dans la maison en est également imprégné : bougeoirs et pendulettes sont décorés d'oeil d'Horus et de fleurs de lotus. Affiches, décors et costumes pour les arts de la scène se mettent au goût du jour, quant au même moment, Claudette Colbert incarne Cléopâtre. Enfin, les créations des grandes maisons telles que Lanvin ou Cartier associent dans leurs modèles, l'antique et l'esprit des années 20. Égyptomanie Art déco est agrémenté d'une iconographie explicite et inédite et s'inscrit dans la collection Art déco, déjà composé de deux livres : 1925, quand l'Art déco séduit le monde et Art déco France-Amérique du Nord.
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Pierre Chareau Tome 1 : biographie, expositions, mobilier
Marc Bédarida, Raphaële Billé, Francis Lamond
- Norma
- 7 Avril 2023
- 9782376660521
Créateur et architecte de l'emblématique Maison de verre à Paris, Pierre Chareau a laissé derrière lui une oeuvre riche et cohérente, un « style Chareau » qui l'inscrit tout autant dans le courant moderniste que dans une pensée d'avant-garde qui épouse un monde de forme et de matériaux nouveaux. Ce premier volume revient sur sa biographie, ses rencontres déterminantes avec des mouvements artistiques, cubisme, arts premiers, comme avec des personnalités de premier plan, Nicolas de Staël, Jeanne Bucher, Jacques Lipchitz, Pablo Picasso, Rose Adler, Max Jacob, Jean Lurçat, Rob Mallet-Stevens... qui lui sont restés fidèles tout le long de sa courte vie. Il retrace son parcours, de ses débuts de dessinateur chez Waring & Gillow à son envol en tant que créateur de modèles indépendant ; il détaille ses participations aux Salons d'automne, Salons des artistes décorateurs, au groupe des 5 comme à l'UAM qui dictent le « la » de cette modernité qui fait vibrer le reste du monde, ses collaborations aux décors de films de Marcel L'Herbier ainsi que son départ pour les États-Unis en 1940. Il permet également de découvrir le collectionneur et le galeriste, entouré d'artistes tels que Braque, Ernst, Gris, Léger, Lurçat, Masson, Modigliani, Motherwell, de Staël... La Boutique qu'il crée avec sa femme Dollie, rue du Cherche-Midi, expose, outre ses propres oeuvres, les créations qu'ils éditent : tissus d'Hélène Henry, tapis de Jean Burkhalter ou de Charchoune... Richement illustré avec près de 500 visuels, ce premier volume offre enfin, en s'appuyant notamment sur plusieurs fonds iconographiques (Musée des arts décoratifs, Paris, Moma, New York), une synthèse complète de sa production de meubles et de luminaires.
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Si l'on en croit Paul Lévi et Jean-Paul Poirot , la rue Lafayette, qui regroupait depuis le XIXe siècle la majorité des marchands de pierres précieuses parisiens, aurait concentré près de 300 négociants en perles fines dans l'entre-deux-guerres, entre ses numéros 1 et 100. Un tel chiffre frappe par son importance en comparaison de la situation actuelle du marché de la perle fine, au sein de la capitale comme au niveau mondial: tandis que les négociants et spécialistes parisiens se comptent aujourd'hui sur les doigts d'une main, la perle fine ne représente plus qu'un volume insignifiant d'un marché dominé par la perle de culture, qu'elle soit d'eau douce (95 %) ou d'eau de mer (5%).
Comment, il y a moins d'un siècle, autant de négociants ont pu vivre à Paris du commerce de cette matière? Quand et pourquoi la capitale française est-elle devenue le centre mondial de la perle? Comment les relations entre la France et le Golfe, son principal fournisseur, étaient-elles structurées? Pour quelles raisons ce commerce aussi florissant a-t-il complètement disparu? Mais surtout, comment se fait-il que la mémoire de cet âge d'or de la perle soit aujourd'hui perdue? C'est à ces questions, et bien d'autres encore, que cette exposition tâchera de répondre.
Mais au-delà de percer les derniers mystères liés à un biominéral dont on ne cesse de repousser l'ancienneté des relations avec les hommes, il s'agira avant tout de montrer dans quelle mesure la perle a su inspirer l'ensemble des joailliers parisiens mais également les artistes au sens large, petits et grands. Tous semblent en effet avoir été poussés par une même perlomanie et ce, quel que soit leur médium, de l'opéra au cinéma en passant par la peinture, la photographie, l'affiche ou les illustrés, au point de faire de la perle l'une des formes symboliques des années folles. -
Charlotte Perriand, l'oeuvre complète Tome 3 ; 1956-1968
Jacques Barsac, Barry Bergdoll
- Norma
- 16 Mars 2017
- 9782376660019
Ce troisième volume de l'oeuvre complète (1956-1968) présente le travail de Charlotte Perriand au coeur des Trente Glorieuses, période pendant laquelle son statut de créatrice internationale va se confirmer.
Dès 1956, Charlotte Perriand développe une collaboration soutenue avec la galerie Steph Simon, éditeur notamment de ses bibliothèques Nuages. Elle renforce ses liens avec Air France, aménage des agences en Europe, au Japon et au Brésil et conçoit les premiers espaces de travail en open space.
À Genève, elle consacre plus de dix ans à la rénovation de l'immense palais des Nations, siège de l'ONU en Europe, pour en faire un outil moderne au service de milliers de diplomates et d'ONG.
L'ouvrage illustre également son « art d'habiter » à travers des réalisations comme la résidence de l'ambassadeur du Japon à Paris, la maison du Sahara, son chalet à Méribel, son appartement à Rio de Janeiro, ou encore l'équipement intérieur du pavillon du Brésil à la cité universitaire, à Paris, avec Le Corbusier.
Autre pays d'élection de Charlotte Perriand après le Japon, le Brésil, où elle se rend régulièrement de 1959 à 1970, occupe une place importante dans son univers. Elle y noue des liens d'amitié avec Lúcio Costa, Oscar Niemeyer et les grandes figures du milieu culturel progressiste. En 1963, elle commence une mission sur le développement de l'artisanat dans le Nordeste, interrompue par le coup d'État militaire.
Près de 800 documents, pour la plupart inédits, retracent une douzaine d'années de création dans les domaines du mobilier, de l'aménagement et de l'architecture de cette pionnière du design, et préfigurent son travail pour la station des Arcs en Savoie dans les années 70 et 80.
