All Eyes On Me est un travail d'amour au long cours de la photographe Maï Lucas, basée à Paris. Prises entre 1990 et 2010, ses images capturent le hip-hop et la culture de rue du New York afro-américain et hispanique, de Coney Island et Jones Beach à Harlem et East New York. C'est dans ces années-là que les jeunes de couleur se sont retournés contre les codes préexistants et ont inventé de nouveaux styles pour exprimer artistiquement leur identité et leur fierté. Comme une volonté de supplanter le phénomène hip-hop établi, devenu beaucoup trop axé sur la richesse et le luxe, par une contre-culture qui leur est propre. Abordant ses sujets avec respect et empathie, Maï Lucas produit des photographies d'une authenticité candide, d'une grâce et d'une profonde humanité. Elle fait ressortir la beauté d'une jeunesse dont la créativité s'exprime aussi bien dans les vêtements de tous les jours et la vie de famille que dans les danses et les fêtes extatiques.
Le premier chapitre de la spectaculaire série de projets de Taiyo Onorato et Nico Krebs intitulée FUTURE interroge la manière dont l'évolution de notre représentation de l'avenir au cours des dernières décennies affecte notre perception du présent et conditionne nos réactions aux changements en cours.
Recréées par Taiyo Onorato et Nico Krebs pour la plupart à partir de documents d'archives, les images de ce livre illustrent le fait que toute vision ou représentation de l'avenir est nécessairement un collage d'images tirées du passé.
En utilisant une combinaison de photographies analogiques grand format et de diverses technologies laser à commande numérique, les artistes ont créé un monde visuel qui emprunte à la science-fiction et adopte une approche associative d'un monde émotionnel oscillant entre l'optimisme de l'enfance des artistes et le dystopisme de l'époque actuelle.
Fondé à Bruxelles en 2013 par Pierre Leguillon, le Musée des Erreurs est une exposition itinérante qui s'installe dans les salles des musées comme un cirque itinérant qui vient en ville et qui repart. Le reste du temps, la collection est stockée dans l'atelier de l'artiste, principalement dans les placards de sa cuisine. La plupart des objets sont fabriqués en série et leur valeur matérielle est négligeable : cartes postales, pochettes de disques, affiches grandes et petites, pièces de tissu, céramiques, art populaire, dessins d'enfants et autres objets divers.
L'ouvrage rassemble également des objets jugés trop petits, trop fragiles ou trop insignifiants pour avoir été exposés, ainsi que des photographies de scènes de rue quotidiennes qui éclairent les différentes facettes de la collection. Qu'ils soient signés ou anonymes, ces objets défient toute prétention d'autorité à une époque où la culture visuelle est partagée sur les médias sociaux et sur le web, sans distinction de valeur matérielle ou esthétique, souvent sans légendes et, trop souvent, avec des attributions erronées. Pour Leguillon, le tri et le remaniement constants des objets nous aident à revisiter les interprétations conventionnelles et à subvertir, avec une bonne dose d'humour, le genre de « prêt-à-porter » culturel que tant de musées nous servent aujourd'hui. Des essais de Patricia Falguières et Morad Montazami situent le Musée des Erreurs dans la tradition des musées d'art et du phénomène d'appropriation culturelle, tandis que Carrie Pilto rédige des légendes en style libre en commentaires des objets présentés.
Pierre Leguillon (né en 1969 à Nogent-sur-Marne, vit et travaille à Paris) est un artiste, curateur et auteur connu pour avoir transformé le diaporama en une forme performative poétique, subtile et teintée d'humour. Ses « Diaporamas » - composés de clichés pris par l'artiste - proposent par le biais de connexions d'images inattendues de nouveaux systèmes de classifications. Leguillon réalise également des assemblages ainsi que des dioramas énigmatiques explorant le travail et la vie d'artistes tels que Marcel Duchamp, Diane Arbus, Ad Reinhardt, George Ohr et Jean Dubuffet. Son travail a été montré dans des institutions tels que le Moderna Museet (Malmo, Sweden, 2010), Musée du Louvre (Paris, 2009) et Artists Space (New York, 2009). Il a édité Sommaire entre 1991 et 1996, et ses textes ont parus dans Purple, Artpress et Le Journal des Arts.
Inspirée par l'arrière-grand-mère d'Al-Arashi, Aisha, cette publication est un hommage à la lignée de femmes dont elle est issue, des femmes des paysages multidimensionnels du Moyen-Orient et de l'Afrique du Nord. Cherchant à comprendre les tatouages qui ornaient le corps de son arrière-grand-mère, Al-Arashi embrasse les complexités d'une tradition matriarcale symbolique. Dans l'impossibilité de se rendre sur l'un de ses lieux d'origine, le Yémen frappé par la guerre, Yumna Al-Arashi a voyagé à travers l'Afrique du Nord, rencontrant et photographiant un groupe diversifié de femmes appartenant plus ou moins à la même génération : toutes debout, assises, regardant, se déplaçant et riant avec assurance et joie. Les images d'Al-Arashi sont à la fois douces et fortes dans leur composition, reliant consciencieusement la femme à la terre qui l'entoure et vice versa ; elles sont incroyablement riches en détails et en couleurs ; et elles sont intimes et magnifiquement provocantes. Aisha inclut également des écrits et des poèmes d'Al-Arashi dans lesquels elle évoque les souvenirs de son arrière-grand-mère et le parfum de l'oudh « qui laissait une trace de magie partout où elle flottait dans cette maison ». Al-Arashi parle également des archives coloniales, des récits intergénérationnels et des complexités de l'identité féminine arabe transnationale dans les sociétés patriarcales, capitalistes et impérialistes au sens large.
Dieter Hall met en scène un homme replié sur lui-même. Ecce Homo, voici l'homme sans ses attributs sociaux, souvent nu, dans un splendide isolement. Hall cherche le dénominateur commun - appelé de façon métonymique la chaise nue - de la simple existence dans les images des corps d'autres personnes (le plus souvent des hommes). Il considère les choses, les objets, les jardins et les paysages avec le même regard scrutateur. Ses natures mortes minutieusement arrangées - un verre, une fleur, une chaise - rappellent Bonnard et Matisse. Les chaises nues de Hall sont des échos silencieux récurrents de l'isolement et de l'éphémère, intensifiés par l'ombre sombre que l'épidémie de sida a jetée sur sa vie et son travail lorsqu'il vivait à New York. Bien que ses oeuvres ne soient pas référentielles au sens traditionnel du terme, Hall réagit aux oeuvres d'autres artistes, notamment au réalisme psychologique de la peintre Alice Neel et au travail de photographes tels que David Armstrong et Peter Hujar. Hall était ami avec Hujar et évoluait dans le même milieu, jusqu'à la mort prématurée de ce dernier des suites du sida. La photographie joue un rôle essentiel dans le travail de Hall, mais elle n'est jamais une fin en soi : elle l'aide à composer ses images. Il sélectionne des détails - un pied ou une main, par exemple - et les transpose en peinture, réinventant ainsi complètement le sujet représenté. Les oeuvres qui en résultent, caractérisées avant tout par leur intimité radicale, expriment l'isolement et un besoin profond de connexion.
Une archive visuelle du mouvement : la collection de photographies de mouvements corporels, de gestes et d'expressions faciales rassemblées par la danseuse, enseignante et thérapeute Suzanne Perrottet, l'une des co-fondatrices de la danse expressive moderne, innovatrice dans le domaine de l'instruction de la danse et l'éducation du mouvement musical et rythmique, proche de Dada Zurich.
Suzanne Perrottet (1889-1983) a grandi à Genève, étudié la rhythmique avec Émile Jaques-Dalcroze et enseigné à Hellerau, où Mary Wigman a été une de ses élèves. En 1912, elle rencontre le danseur, chorégraphe et théoricien Rudolf von Laban, s'installa avec lui dans la colonie d'artistes de Monte Verità près d'Ascona et ensuite à Zurich où elle se produisait lors des soirées dada. L'été de 1913 marque un vrai tournant sur Monte Verità! Avec Laban, Wigman et d'autres, Perrottet découvre le pouvoir expressif des mouvements et gestes naturels, du son et des mots. C'était la naissance de la danse moderne.
Tout le monde devait pouvoir profiter de l'esprit du mouvement naturel, le but était de libérer le corps et l'esprit.
En 1920, Perrottet fonde une école à Zurich. Non contente d'y avoir enseigné à des danseurs, acteurs, enfants et adultes, y compris à des personnes présentant des handicaps physiques ou psychiques, elle se consacra à la recherche, intense et ininterrompue. Pour pallier au manque de littérature disponible dans ce nouveau domaine, elle commença à découper des images de mouvements, de gestes et d'expression physique dans des magazines. En 60 ans, elle a amassé une archive de plus de 10 000 images, qu'elle a classées par catégories. Suzanne Perrottet a continué de travailler jusqu'à ses 89 ans. Après sa mort, ses cartons à bananes remplies de coupures ont été oubliées. Redécouvertes à l'intérieur de ce livre, elles offrent un aperçu sur une collection unique - une archive visuelle du mouvement.
En 2017, Shane Lavalette a réalisé un photo-reportage de la Suisse rurale, suivant l'itinéraire emprunté il y a 80 ans par Theo Frey, pionnier du photojournalisme suisse. Cette publication associe ces photographies anciennes et actuelles de la campagne helvétique, offrant un portrait singulier et émouvant d'une nation.
Première monographie d'envergure consacrée à une figure importante de l'art brut, l'inventeur de machines volantes Gustav Mesmer. Cette publication revient sur son parcours et son oeuvre à travers des essais en français de Lucienne Peiry, Juliane Stiegele et Franz Xaver Ott, ainsi que 400 illustrations en couleur (reproductions des oeuvres sur papier et des manuscrits, photographies des machines, sculptures et instruments).
Gustav Mesmer (1903-1994), surnommé l'« Icare de Lautertal », est né en 1903 dans le village d'Altshausen, en Haute-Souabe (Allemagne). Il quitte l'école très tôt pour travailler dans des exploitations agricoles. Il entre ensuite dans un monastère bénédictin. Il passe six ans à l'abbaye de Beuron, avant d'être renvoyé après être tombé malade. De retour à Altshausen, sa ville natale, il fait irruption dans une église et proclame que la religion est une fraude. Diagnostiqué schizophrène, il est interné à l'hôpital psychiatrique de Bad Schussenried où il s'occupe en suivant des ateliers de vannerie et de reliure.
En 1932, il découvre dans la bibliothèque de l'hôpital un article sur l'invention d'un vélo volant. Cette obsession le suit alors toute sa vie. Il décide de construire des bicyclettes volantes à propulsion humaine, censées pouvoir voler. Son répertoire d'inventions comprendra également d'autres engins volants, des machines parlantes et des instruments de musique. Outre d'innombrables croquis, dessins et schémas, il écrira de la poésie et de la prose.
Son oeuvre est un monde inépuisable, maintenant accessible au public. Gustav Mesmer est décédé en 1994. Il est désormais considéré comme une figure exceptionnelle de l'art brut.
Première monographie de l'étoile montante de la photographie de mode : un projet pléthorique (500 images) prenant pour sujet la mère de l'artiste, photographiée sur plus d'une décennie. Avec des textes de Rachel Cusk et Miranda July.
Michele Sibiloni photographie la récolte des grillons de brousse en Ouganda, entre traditions locales et interrogations sur un avenir global.
Les nsenènes sont un met délicat et une source de revenus importante en Ouganda. Techniquement des grillons de brousse mais généralement appelés « sauterelles », les nsenènes migrent en masse deux fois par an, juste après les deux saisons des pluies. D'énormes essaims remplissent le ciel peu avant le lever du soleil. Ainsi, nuit après nuit pendant la saison du grillon, de nombreux Ougandais restent debout jusqu'à l'aube pour attraper les créatures. L'omniprésence des insectes verdâtres lustrés dans la brume nocturne et la fumée des feux de joie plonge tout le pays dans une atmosphère d'un autre monde, dont l'étrangeté est accentuée par l'équipement impliqué, en particulier les outils et les pièges fabriqués avec fantaisie. Des vagues d'activité frénétique alternent avec de longues périodes d'attente et de tuerie.
L'Organisation des Nations unies pour l'alimentation et l'agriculture souligne l'importance à grande échelle du rôle que pourrait jouer les insectes comestibles, riches en protéines, pour réduire la faim dans le monde et améliorer la sécurité alimentaire. Cependant, la déforestation a décimé les populations d'insectes migrateurs ces dernières années et certaines espèces de grillons sont aujourd'hui en danger critique. Pour ne rien arranger, les pluies en Afrique sont de moins en moins prévisibles du fait du changement climatique, et la récolte du grillon dépend entièrement du moment choisi.
Le photographe italien Michele Sibiloni a capturé la récolte de grillons en Ouganda, une activité à cheval sur la frontière très fine entre passé et avenir, tradition et modernisation, dans son langage visuel très atmosphérique. Ses portraits et ses séquences cinématographiques simples sont éloquents, concernant non seulement la façon dont les Ougandais se perçoivent, mais aussi les perspectives d'avenir de notre planète dans son ensemble.
Le premier ouvrage rassemblant l'iconographie éclectique de musiciens de jazz, de boxeurs, d'icônes noires américaines et d'amis du peintre new-yorkais.
A Few of My Favorites est le premier recueil d'oeuvres d'Armando Alleyne. Il a peint et collé des interprétations de musiciens de jazz, de chanteurs afro-latins, de boxeurs, mais aussi de membres de sa famille et de connaissances. Parallèlement à sa pratique incessante de la peinture de portraits d'icônes noires, Alleyne laisse des éléments de son expérience vécue prendre forme dans son travail. Des séries telles que Shelter Blues illustrent son expérience directe du sans-abrisme. Une autre série, Maria's Song, convoque un panthéon de symboles religieux pour rendre hommage à la soeur qu'il a perdue à cause du sida. On trouve également des peintures érotiques que l'artiste a réalisées à partir de publicités de magazines et de modèles qu'il a mis en scène. Ne renonçant ni au sensuel ni au politique, l'ensemble des peintures d'Alleyne raconte comment nous sommes déterminés par notre ville et comment nous pouvons y chercher les outils pour guérir. Les oeuvres sont présentées aux côtés d'une série d'instantanés et d'anecdotes personnelles qui évoquent les oeuvres vendues et les personnes qui ne sont plus parmi nous.
Luxueuse monographie rétrospective du peintre et dessinateur suisse : 250 oeuvres sur papier (dessins à l'encre, au crayon, au stylo et aquarelles) couvrant plus de trois décénnies d'exploration du potentiel graphique de la ligne.
Publié à l'occasion de l'exposition éponyme au Kunstmuseum de Lucerne en 2022.
Une vie, entre art et cinéma : l'autobiographie visuelle d'une figure pivotale du cinéma en Suisse et en Europe en quelque 300 images tirées de l'incroyable collection de photos de films de Matthias Brunner, des classiques hollywoodiens aux films d'auteur, et de reproductions d'oeuvres d'art contemporain, qui nous fait entrer dans l'intimité de Fassbinder, Waters, Warhol et bien d'autres.
Les biographies peuvent être aussi variées que les vies humaines. Magnificent Obsessions Saved My Life est cependant un cas à part, un genre très particulier d'(auto)biographie qui retrace les étapes et les tournants de la vie d'un artiste d'après-guerre issu d'une famille dysfonctionnelle, avec pour toile de fond les expériences de libération sexuelle de sa génération 68 et son expérience trop personnelle de deux pandémies mortelles : le SIDA et le Covid-19. Mais ces éléments biographiques et historiques de la vie de l'artiste sont mis en avant dans un dialogue permanent avec les classiques hollywoodiens, les films d'auteur et l'art contemporain. Car une oeuvre d'art cinématographique ou visuel n'est rien si elle ne vous parle pas de votre propre vie : le cinéma et l'art parlent toujours de ce qui a été et de ce qui aurait pu être, de ce que nous sommes et de ce que nous voudrions être. Magnificent Obsessions aborde ces questions existentielles par le biais de textes et d'images, notamment des sélections de l'impressionnante collection de photos de films de Brunner et des reproductions de ses oeuvres d'art préférées. Il examine comment le monde a changé, en particulier les voyages, les hôtels et les expositions, depuis le milieu du XXe siècle, quels vêtements et coiffures les gens portaient alors et portent aujourd'hui.
Comme dans les films, les gens sont au centre des des écrits de Brunner, parfois d'une franchise mordante et pourtant affectueux, presque tendres. Lorsqu'il perd l'amour de sa vie, le marchand d'art suisse Thomas Ammann, emporté par le sida, il écrit sur leur bonheur commun pour ne pas être rongé par le chagrin. Il se souvient de la glamour Elisabeth Bossard (Thema Selection), son amante de longue date, et raconte des anecdotes d'un flirt à Venise avec Edmund White, l'écrivain américain qui devint son ami. Il raconte sa relation d'amour-haine avec le cinéaste suisse Daniel Schmid, avec des aperçus intimes des cinéastes allemands défunts Reiner Werner Fassbinder et Werner Schroeter, de leurs oeuvres et de toute la scène qui les entourait.
La vie de Brunner est marquée par deux constantes : un désir d'évasion artistique et une volonté généreuse et inlassable de partager ses obsessions avec les autres. C'est Brunner qui a très tôt fait venir en Suisse les films de ses amis John Waters et Andy Warhol, en contournant la censure. Sans cela, ces films n'auraient pas été vus - ou seulement beaucoup plus tard, avec l'avènement de l'Internet. Brunner connaissait les côtés lumineux et sombres de l'usine à rêves, mais il était toujours prêt à succomber une fois de plus à son Imitation of Life, comme Douglas Sirk a intitulé l'un de ses grands mélodrames.
« C'est peut-être parce que je ne suis pas un très bon dessinateur, le collage semble être une approche plus naturelle pour esquisser et développer des idées. Je fais du copier-coller et j'utilise ma photocopieuse comme un moyen rapide d'expérimenter et de développer des idées. Mon travail consiste à trouver, échantillonner, s'approprier des images et des sons, et à les transformer. L'image trouvée est généralement ce qui déclenche un processus de pensée - la formulation d'idées ou simplement la réaffirmation de pensées latentes. C'est un moyen de médiatiser instantanément une image et de prendre un peu de distance par rapport à elle. Les accidents sont aussi souvent révélateurs. Comme l'appareil photo ou tout logiciel de montage vidéo, la photocopieuse n'est qu'un outil parmi d'autres. » Christian Marclay Les centaines de photocopies en noir et blanc très contrastées compilées par Christian Marclay sont comme des griffonnages dans un carnet, les premières étapes d'expérimentation vers des oeuvres plus abouties, et offrent ainsi un aperçu du processus de création de l'artiste. Ce livre rassemble les sources qui ont alimenté la pratique de Marclay au cours des dernières années. Il a été conçu en étroite collaboration avec Laurent Benner, graphiste ayant travaillé avec Marclay sur plusieurs autres livres et pochettes de disques et partageant une sensibilité commune.
Cet ouvrage regroupe une collection de photographies d'enfance de personnalités des arts, de la littérature, du sport, de la politique et du crime. Un « Qui est-ce ? » du XXe siècle en devenir.
Après son immersion dans les sphères du pouvoir, Christian Lutz s'introduit dans l'univers des casinos : à la suite de son projet Insert Coins (2016), consacré au déclin de Las Vegas, le photographe genevois se penche sur le consumérisme chinois dans les casinos de Macao, nouvelle capitale mondiale du jeu depuis une quinzaine d'années, univers de l'argent, du luxe et du simulacre. Lutz scrute les surfaces lisses et aseptisées de ce nouveau monde dans lequel apparaissent les premières fissures, en s'inscrivant dans une tradition de photographie documentaire humaniste tout en développant une esthétique hyper maîtrisée et une narration cinématographique.
Ouvrage photographique retraçant le voyage en automobile des deux artistes depuis la Suisse jusqu'à la Mongolie, à travers les territoires mystiques de l'Est.
En avril 2013, les photographes et proches collaborateurs Nico Krebs et Taiyo Onorato sont partis de Suisse avec leur Toyota Land Cruiser de 1987, direction l'est et leur ultime destination, la capitale de Mongolie, Oulan-Bator. Parcourant les paysages d'Eurasie et d'Asie centrale, Nico Krebs et Taiyo Onorato ont photographié de nombreux territoires inconnus, pris en tension entre des traditions millénaires, l'héritage soviétique et la dissémination anarchique du modèle capitaliste. Une confusion identitaire que les deux artistes parviennent à rendre palpable à travers leurs photographies. Continental Drift est le deuxième ouvrage publié par Taiyo Onorato et Nico Krebs aux éditions Patrick Frey, après The Great Unreal, compte-rendu d'un voyage au coeur des États-Unis.
Première édition anglaise d'un ouvrage colossal dédié au cinéma de Pasolini, publié pour la première fois dans les années 1980 en Italie : 2000 images extraites des films du réalisateur italien, organisées selon les catégories « corps » et « lieux », accompagnées d'analyses et d'une compilation de textes de Pasolini. Placé sous le signe de l'appropriation, ce livre pasolinien dans le fond et la forme est un outil de recherche indispensable. Avec le texte italien original.
En 2015, le cinéaste suisse Iwan Schumacher a commencé à collectionner des photographies de couples qui semblent indifférents à l'appareil photo, soit parce qu'ils sont familiers avec le photographe, soit parce qu'ils ne s'aperçoivent pas qu'ils sont observés. Par coïncidence, Peter Pfrunder, directeur de la Fondation suisse pour la photographie, envisageait depuis longtemps de monter une exposition de photographies de couples. C'est donc naturellement qu'ils se sont associés pour réaliser un livre.
Les couples représentés dans Paare / Couples sont de différents types, durées et combinaisons de genres. Chaque image est complète en soi et montre quelque chose qui se passe entre les deux sujets ; chacune déclenche un film différent dans l'imagination du spectateur, un avant et un après, tout en restant ouverte à toutes les conjectures - le mystère de l'image reste à jamais préservé. Bien que Paare / Couples donne une expression visible, presque palpable, à une large gamme d'émotions humaines, le livre ne prétend pas montrer une sélection photo-historiquement représentative de personnes de tous horizons. Il s'agit plutôt d'une partition joyeusement et généreusement composée par deux photophiles, un assortiment éclectique de photos qui semblent être tirées d'autant de films différents, mais qui peuvent être assemblées pour former un nouveau film mosaïque à plusieurs pistes.
Le soulèvement de la jeunesse, aujourd'hui simplement appelé « les années 60 », a été alimenté par l'un des plus grands booms de l'histoire de l'édition. L'Underground Press Syndicate (UPS) a commencé comme une confédération de cinq journaux en 1966, et en quelques années, il a fédéré plus de 500 titres à travers le monde, touchant des millions de lecteurs. Ils se sont « répandus comme de la mauvaise herbe », a déclaré Tom Forcade, directeur de l'UPS, marchand de mauvaises herbes et futur fondateur de High Times. La métaphore était appropriée : l'UPS a impulsé le mouvement de légalisation, et l'herbe est devenue son totem.
L'herbe était si répandue qu'elle est devenue un prétexte utile pour les agences gouvernementales pour sévir contre l'UPS. La weed est devenue l'emblème des groupes d'activistes, et a ajouté une touche de style aux titres de l'UPS. Elle a envahi les pages de l'UPS, les trous dans le texte étant remplis d'illustrations ponctuelles inspirées par la marijuana.
Heads Together rassemble ces dessins, mettant en lumière des noms moins connus dans le canon de l'art du stoner, et beaucoup de ceux qui n'étaient pas des noms du tout, car aucune signature n'était attachée. Il compile également des guides de culture de l'herbe de l'époque, qui étaient traités comme de la contrebande par la CIA. Les papiers à rouler psychédéliques à vocation militante sont également présentés.
Alors que la légalisation de la marijuana progresse rapidement aux États-Unis et ailleurs, son statut autrefois sulfureux prend un relief étrange. Les profiteurs du marché de l'herbe d'aujourd'hui ne reflètent pas ceux qui se sont battus pour la légalisation, ni les populations noires et latinos qui ont été stratégiquement criminalisées pour l'herbe bien avant que les hippies ne soient pris pour cible, et bien après.
La production graphique rassemblée dans ce livre témoigne d'une époque où le pot était fumé avec optimisme, comme quelque chose de potentiellement bon pour la société et les gens, capable d'activer une transformation profonde face à des forces corrompues et puissantes.
Des années 1970 jusqu'à sa mort en 2000, le scientifique, artiste et collectionneur Andreas Züst a séjourné de nombreuses fois au Groenland, photographiant la glace sous ses formes les plus diverses. Cette publication rassemble une sélection issue de cette vaste série.
Toute sa vie, Andreas Züst a été fasciné par les phénomènes naturels. Dès son enfance, il prenait stoïquement note des conditions météorologiques trois fois par jour. Plus tard, alors qu'il était étudiant en glaciologie, il a passé des mois entiers à Thulé au Groenland à forer des carottes de glace et à y réaliser d'innombrables diapositives de ses travaux de recherche. Le corpus du matériau photographique qui en résulte donne à voir la glace sous une multitude d'aspects différentes et échappe à toute détermination, du blanc des paysages de glace infinis et des cristaux de glace sur une fenêtre au bleu éclatant, d'un ours polaire regardant dans l'appareil photo sur une plage couverte de glace à un camp de base de recherche sous la lumière de la pleine lune. La lueur bleue opaque de la glace (que l'on peut voir dans un diaporama) incarne l'aura de ces images évocatrices de l'autre monde. L'histoire de la glace et celle de la vie et du travail d'un glaciologue sont racontées séparément dans Pursuit of Wonders, mais sont liées par l'atmosphère qui émane de ce voyage surréaliste à travers un monde de glace, complété par les contributions des artistes Peter Mettler, ami de Züst, Jimena Croceri et Sarina Scheidegger, ainsi que de Kris Decker, chercheur en histoire et théorie des sciences.
Publié à l'occasion de l'exposition « Eis » au Kunstmuseum Luzern, Suisse, du 25 septembre au 29 novembre 2020.
Livre d'artiste.
Où suis-je est une collection de dessins de paysages architecturaux provenant des souvenirs d'enfance d'Anne-Lise Coste : des images mentales des hôpitaux et des infirmeries où elle résidait enfant pour traitement asthmatique, images dont les détails sont sélectionnés, réagencés et rendus abstraits par la mémoire. Où suis-je constitue une clé pour comprendre le travail d'Anne-Lise Coste, non pas seulement pour sa dimension autobiographique, mais parce qu'il révèle la manière dont l'artiste utilise la ligne et le texte pour interroger mener une réflexion sur les notions de perte, de nostalgie et de lieu.
Possédant l'énergie et l'immédiateté du graffiti, les dessins et les textes d'Anne-Lise Coste (née en 1973 dans la région marseillaise, vit et travaille à New York après avoir vécu à Marseille et Zurich), qui lui permettent de conjuguer, avec une même puissance poétique, l'expression d'émotions subjectives, d'une critique sociale virulente et d'une sensibilité littéraire prononcée, proche de Dada, peuvent se lire comme une recension des angoisses contemporaines.
Cimetières, fantômes, guillotines, squelettes, cercueils, corps démembrés et araignées géantes... La frénésie décorative américaine d'Halloween photographiée, de jour, par Cameron Jamie (livre d'artiste).
Chaque année depuis 1984, et bien qu'il vive désormais en France, l'artiste américain Cameron Jamie photographie les devantures des maisons décorées pour la fête des morts dans son quartier d'enfance en banlieue de Los Angeles. Ce rituel photographique a pour particularité d'être réalisé en journée, modifiant ainsi le contexte perceptif de cette culture horrifique populaire. Front Lawn Funerals and Cemeteries met en tension l'imagerie macabre et les extérieurs familiaux pris à la lumière du jour. Ici, la normalité de façade de ces maisons pavillonnaires cède le pas à l'humour, la violence et le trouble. Tout à la fois métaphore et forme d'art vernaculaire, définie par Jamie comme « The American Grand Guignol », cette pratique de transformation de l'habitat suburbain exprime l'imaginaire collectif américain dans sa perception de la mort, et ce, pour son propre amusement. Et lorsque la figuration de véritables faits divers, sociaux et criminels, se mêle aux représentations fictionnelles de l'horreur Hollywoodien pour s'introduire dans le réel, le monde n'en devient que plus inquiétant. Le soleil californien brille d'une étrange lumière...
L'oeuvre multiforme de Cameron Jamie (né en 1969 à Los Angeles, vit et travaille à Paris) prend sa source dans le tissu social des classes défavorisées des banlieues américaines et transfigure les codes esthétiques de la culture populaire et underground. Si Cameron Jamie s'est fait connaître avec ses performances, films, photographies et installations, ses récentes sculptures en céramique sont le prolongement tridimensionnel des dessins qu'il produit depuis le début des années 2000.
Cameron Jamie a fait l'objet de nombreuses expositions et rétrospectives, notamment au Walker Art Center (Minneapolis), au MIT List Visual Arts Center (Cambridge), au Centre Pompidou et au Quai Branly (Paris), au MoMA (New York) ou à la Kunsthalle de Zurich.
