Societe Francaise De Musicologie
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Le théâtre des demoiselles ; tragédie et musique à Saint-Cyr à la fin du Grand Siècle
Anne Piéjus
- Societe Francaise De Musicologie
- 1 Juillet 2000
- 9782853570107
La fondation royale Saint-Louis de Saint-Cyr se signale comme un centre artistique important de la fin du XVIIe siècle. Les « demoiselles » élevées sous la houlette de Mme de Maintenon suivaient un programme éducatif ambitieux et résolument moderne, et furent les destinataires des deux dernières tragédies de Racine, Esther (1689) et Athalie (1691), puis des pièces de Boyer et de Duché de Vancy. Ce théâtre biblique, emblématique de la fin du règne du Roi-Soleil, accueillait des intermèdes musicaux dus à Jean-Baptiste Moreau, Claude Oudot et leurs contemporains. Le lyrisme dépouillé des choeurs, la simplicité touchante des enfants jouant Racine et la réputation de Saint-Cyr firent un temps les délices d'une cour vieillissante avide de divertissements pieux. En dépit de la régularisation de l'institution, la pratique musicale et dramatique perdura, offrant à la postérité un répertoire unique par le mélange de déclamation et de chant, par la dramaturgie qui permet d'insérer des choeurs bibliques dans la tragédie régulière et par une musique d'enfants qui exalte l'émotion tragique et invite le spectateur à une réflexion spirituelle.
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L'ouverture d'opéra en france, de Monsigny à Méhul
Patrick Taïeb
- Societe Francaise De Musicologie
- 1 Mars 2007
- 9782853570176
L'histoire de la musique identifie si profondément la période dite « classique » à Haydn, Mozart et Beethoven que la musique française entre la fin du baroque (Rameau) et le début du romantisme (Berlioz) paraît suivre le mouvement européen sans parvenir au niveau qualitatif des trois viennois. La comparaison entre des chefs-d'oeuvre bien connus à la fois par le concert et par le disque, et une production lyrique française ignorée de la discographie contemporaine n'est pas la méthode la plus adaptée pour évaluer l'intérêt ou comprendre la force d'un art dramatique d'une richesse insoupçonnée. L'étude de plusieurs centaines d'ouvertures d'opéra composées entre 1760 et 1815 révèle une production française reposant sur une esthétique spécifique qui se caractérise par la confiance dans la capacité de la musique instrumentale à annoncer un drame lyrique dans tous ses aspects (littéraire, visuel, poétique). En s'intéressant aux discours théoriques et à la critique, aux procédés dramatiques imaginés par les librettistes et les compositeurs, au style et au statut des ouvertures qui, pendant la Révolution, s'imposent comme un répertoire symphonique national, cette étude attire l'attention sur des ouvrages de Philidor, Monsigny, Cherubini et Méhul, qui ont servi de socle esthétique au théâtre lyrique français et européen du XIXe siècle. Elle invite aussi à revoir en profondeur l'historiographie relative à ce genre en tenant compte de l'esthétique particulière de l'opéra français de la fin du XVIIIe siècle.
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Henry Prunières (1886-1942) ; un musicologue engagé dans la vie musicale de l'entre-deux-guerres
Myriam Chimènes, Florence Gétreau, Catherine Massip
- Societe Francaise De Musicologie
- 20 Octobre 2015
- 9782853572460
Henry Prunières (1886-1942), l'un des grands musicologues français de la première moitié du xxe siècle, demeure présent pour tous ceux qui s'intéressent à l'histoire de la musique de cette période et qui se sont nourris des riches pages de La Revue musicale ou de l'un des importants ouvrages qu'il a signés. Pourtant, jusqu'ici, aucune monographie ne lui avait été consacrée. Fruit des travaux d'un séminaire de recherche international, cet ouvrage comble cette lacune.
Auteur de deux thèses sur L'Opéra italien en France avant Lully et Le Ballet de cour avant Benserade et Lully, Henry Prunières est aussi ouvert à la musique de son temps et côtoie de nombreux compositeurs de premier plan. Éditeur de la première édition monumentale des oeuvres de Lully, il reste avant tout le fondateur, en 1920, de La Revue musicale, tribune ayant rassemblé des chroniqueurs et des artistes essentiels du xxe siècle dans un esprit de rare ouverture à des domaines divers, faisant appel à la musicologie historique, couvrant toutes les époques y compris la musique contemporaine, sans négliger la danse, le jazz, le disque ou l'étude des rapports aux autres arts. Ce livre atteste la richesse de la personnalité d'Henry Prunières et l'ampleur des voies qu'il a ouvertes.
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André Jolivet : Catalogue des oeuvres musicales
Lucie Kayas
- Societe Francaise De Musicologie
- 30 Septembre 2021
- 9782853572729
Composée de plus de 270 numéros, l'oeuvre d'André Jolivet (1905-1974) couvre tous les genres et s'étend de 1918 à 1973, année précédant sa disparition. Ce catalogue raisonné rassemble pour la première fois l'essentiel des informations concernant toutes les oeuvres (dates de composition, de création dédicataire), dont les musiques de scène et les musiques de film, mais également une description précise de tous les manuscrits conservés ainsi que leur localisation.
Conçu comme un outil tant pour les chercheurs que pour les programmateurs ou les interprètes, il constitue une invitation à explorer les oeuvres connues ou moins connues de leur auteur dans le but d'approfondir la connaissance de ce compositeur majeur du XXe siècle. -
Claude Debussy disparaît le 25 mars 1918 au son des bombardements allemands dans Paris. Après avoir été un temps considéré comme un romantique vieillissant, dont les murmures à propos des brumes, du clair de lune, des faunes et des vagues semblaient appartenir au dernier souffle du xixe siècle, le sens profond de ses innovations musicales est unanimement compris à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Désormais considéré comme un trésor du « patrimoine national » français, Debussy devient une figure majeure du modernisme musical. Pour le centenaire de sa disparition, le monde entier célèbre l'un des compositeurs les plus influents du xxe siècle, dont la musique continue d'indiquer des chemins à suivre pour les années à venir.
Composé de quinze chapitres, rédigés par des chercheurs internationaux, cet ouvrage réévalue la place du compositeur dans le paysage musical et artistique de son époque, mais aussi des années qui ont suivi sa mort jusqu'à nos jours. Abordant des domaines jusqu'alors peu explorés, il se propose d'évaluer l'héritage durable de Debussy à l'aube du xxie siècle au travers de réflexions qui portent sur l'étude de ses esquisses, l'analyse du geste compositionnel, sa correspondance, l'esthétique, les questions d'interprétation, l'historiographie, la réception et les enregistrements historiques, sans oublier son influence sur le jazz et les musiques actuelles. -
REVUE DE MUSICOLOGIE n.95.1
Revue De Musicologie
- Societe Francaise De Musicologie
- Revue De Musicologie
- 30 Septembre 2009
- 9782853572378
The Testament of Jean de Saint Gille ( 1501) (Rob C. Wegman) À la recherche de François Couperin (Lucinde Braun) À propos du contexte philosophique et physiologique du paradigme rhétorique au XVIIIe siècle (Martin Kaltenecker) The Carbonne Copy: Tracing the Première of L'Heure espagnole (Emily Kilpatrick) Nadia Boulanger and Igor Stravinsky: Documents of the Bibliothèque nationale de France (Kimberly Francis) Une page « retrouvée » de Pierre Boulez. Sur l'identification de quelques documents conservés à la Fondation Paul Sacher (Paolo Dal Molin) La bibliothèque perdue de Christophe Brocard, chantre de François Ier (Grantley Macdonald) Une source inédite du séjour versaillais des Mozart en 1763-1764 (David Hennebelle) Une lettre inédite de Marcel Proust à Francis Planté (Roseline Kassap-Riefenstahl) Catalogues des manuscrits notés de la Bibliothèque nationale de France et des bibliothèques des régions (Marie-Noël Colette , Catherine Massip , Christian Meyer)
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Musique et fêtes au Haut-Atlas
Bernard Lortat-jacob
- Societe Francaise De Musicologie
- 1 Avril 1980
- 9782853570299
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Traités du contrepoint simple
Henry Madin, Louis-joseph Marchand, Jean-paul c. Montagnier
- Societe Francaise De Musicologie
- 1 Janvier 2004
- 9782853570145
À l'heure où l'engouement pour la musique baroque a atteint son apogée et où les interprètes visent à une restitution la plus authentique possible des chefs-d'oeuvre du passé, il demeure un domaine largement ignoré et pourtant propre à la France d'Ancien Régime : celui de l'improvisation collective sur le plain-chant qui était monnaie courante dans la plupart des chapitres du royaume. Cette pratique orale, qui déclina progressivement au cours du siècle des Lumières pour disparaître complètement après la Révolution, ne doit cependant pas être minimisée : n'envisagea-t-on pas de l'introduire à la Chapelle du roi dès 1738 ? Alors que les débats esthétiques et techniques sont essentiellement tournés vers les théories harmoniques de Jean-Philippe Rameau, il est remarquable de relever que les deux traités reproduits dans ce volume furent les seuls, entre 1700 et 1750, à détailler les règles du contrepoint dans un but pédagogique afin de perpétuer une tradition pratiquée à l'ombre des cathédrales et à cent lieues de toute spéculation ramiste. Le mérite de Louis-Joseph Marchand et d'Henry Madin est de transmettre aux interprètes, historiens de la musique et de la théorie musicale, ainsi qu'aux amateurs munis d'un minimum de connaissances techniques, les clefs nécessaires à une meilleure compréhension de l'art musical à l'époque de Louis XV.
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Le chant des muses chrétiennes ; cantique spirituel et dévotion en France (1685-1715)
Thierry Favier
- Societe Francaise De Musicologie
- 1 Janvier 2009
- 9782853570152
Issue d'une tradition plus que centenaire, la musique religieuse de langue française manifeste, après la Révocation de l'Édit de Nantes, de nouvelles orientations. Parallèlement aux productions parodiques et populaires, les cantiques et airs spirituels composés sur les plus beaux recueils de poésie lyrique chrétienne, comme les Cantiques spirituels de Racine, les Stances chrétiennes de l'abbé Testu ou les Psaumes de la pénitence d'Élisabeth-Sophie Chéron, explorent toutes les ressources de la musique baroque française et offrent un témoignage de civilisation et de culture aussi éloquent que les meilleures réussites des genres profanes et religieux latins. Ces cantiques spirituels savants sont signés des plus grands noms - Michel-Richard de Lalande, Pascal Colasse ou André Campra - mais aussi de musiciens aujourd'hui moins connus comme Bénigne de Bacilly, Jean-Baptiste Moreau, Pierre-César Abeille ou Antonia Bembo, qui jouèrent un rôle important dans le succès de ce répertoire.? Du fait de leur spécificité linguistique, les cantiques spirituels savants se situent hors des canons stylistiques de la musique religieuse latine et témoignent de divers degrés d'assimilation des modèles profanes mais également de recherches formelles très originales en fonction de leur destination et des sensibilités religieuses qui les portent. ?Loin d'être circonscrits à la maison royale Saint-Louis de Saint-Cyr, ils constituent un divertissement dévot qui convenait aussi bien à la pratique musicale domestique qu'aux concerts des salons aristocratiques et de la cour. Plus largement, à travers les systèmes de pensée esthétiques, spirituels ou idéologiques qui le modèlent et les pratiques dévotionnelles qui le portent, le répertoire des cantiques spirituels savants ouvre un chemin étroit mais éclairant dans la culture du XVIIe siècle.
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L'opéra en France et en Italie (1791-1925), une scène privilégiée d'échanges littéraires et musicaux
Hervé Lacombe
- Societe Francaise De Musicologie
- 11 Octobre 2000
- 9782853570114
Au cours des siècles s'est édifiée une idée française de l'Italie et une idée italienne de la France. Dans l'histoire complexe des liens entre opéra français et opéra italien, il n'est pas exagéré de parler de rapports passionnels, faits d'attirances et de répulsions. L'opéra est un lieu d'échanges exceptionnellement riche, puisqu'il engage l'histoire de la musique et des musiciens, ou encore des institutions et des idées. Traiter des échanges franco-italiens dans le domaine lyrique demande donc de diversifier les analyses et les méthodes. Ainsi cet ouvrage propose la comparaison d'opéras français et italiens et de leur dramaturgie : Camille de Dalayrac et Paër ; Gustave III d'Auber et Un ballo in maschera de Verdi ; une réflexion sur le modèle italien dans Don Procopio de Bizet, ou dans les grands opéras de Massenet ; des analyses plus spécifiquement littéraires des sources d'Il Pirata de Bellini et de Tosca de Puccini. L'étude des représentations italiennes des grands opéras de Meyerbeer ou de Pelléas et Mélisande de Debussy est l'occasion d'aborder les problèmes de la traduction, de l'adaptation et de la réception d'un opéra français en Italie. L'examen du traitement de l'alexandrin dans les Vêpres siciliennes ou de l'anapeste dans Un ballo in maschera de Verdi permet d'attirer l'attention sur les rythmes poétiques comme objet stylistique musical. L'histoire des démêlés de Verdi et du Théâtre-Italien de Paris sous la direction de Calzado met en avant le rôle essentiel des directeurs dans la vie des théâtres lyriques. Le cas des représentations d'Aida à l'Opéra de Paris conduit à s'interroger sur exotisme et nationalités.
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Tropaire séquentiaire prosaire prosulaire de Moissac
Marie-noël Colette
- Societe Francaise De Musicologie
- 1 Janvier 2006
- 9782853570169
L'abbaye de Moissac est renommée de nos jours pour la splendeur de son cloître. Dès le XIe siècle, elle rayonnait par la qualité de sa vie intellectuelle et musicale, dont le reflet nous est parvenu dans de riches manuscrits. Son tropaire-prosaire présente, en 358 pages, un bel échantillon de la production littéraire et musicale de son époque dans la France de l'ouest. Il est aussi un des premiers manuscrits qui fut copié selon une notation musicale parfaitement lisible grâce à une répartition rigoureuse des notes autour d'une ligne de référence. Il transmet des textes poétiques chantés dont la beauté séduira non seulement des spécialistes de la littérature, de l'histoire ou de la musique, mais aussi les chanteurs et leur public. Cette édition comble une lacune car, si les éditions en fac-similé ont amplement servi les manuscrits du graduel et de l'antiphonaire, elles ont presque ignoré, pour cette haute époque, les répertoires de tropes et de proses. Au fac-similé couleur du manuscrit sont joints de nombreux index des textes et des mélodies, qui mettent en valeur les relations subtiles unissant ces compositions et les chants plus anciens auxquels elles se sont ajoutées au Moyen Âge.
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Du langage au style ; singularités de Francis Poulenc
Lucie Kayas, Hervé Lacombe
- Societe Francaise De Musicologie
- 11 Février 2016
- 9782853572552
Pétrie d'influences, écrite dans des genres établis, fondamentalement tonale, l'oeuvre de Francis Poulenc montre de manière éclatante qu'il est encore possible, durant la première moitié du xxe siècle, de tirer un style éminemment personnel d'un langage hérité.
Animée de paradoxes et oscillant du profane au sacré, empruntant constamment sa matière à d'autres auteurs sans jamais perdre son caractère propre, la musique du compositeur français est reconnaissable entre toutes. Elle porte la marque de singularités que cet ouvrage se propose d'identifier, d'explorer et d'expliquer en croisant approches et méthodes d'analyse aussi stimulantes qu'inattendues. Les différents genres dans lesquels Poulenc s'est exprimé sont abordés de la messe à l'opéra, de la mélodie à la musique de film, de la symphonie à la musique de chambre, du concerto à la sonate.
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Critique musicale Tome 8 ; 1852-1855
Hector Berlioz
- Societe Francaise De Musicologie
- 1 Septembre 2016
- 9782853572545
Entre deux séjours à l'étranger où ses oeuvres connaissent un grand retentissement, Berlioz nous entraîne dans le tourbillon de la vie des théâtres et des concerts qui sévit à Paris dans les premières années du Second Empire.
Se succèdent à l'Opéra reprises et créations d'opéras de Verdi (Les Vêpres siciliennes), Halévy (Jaguarita l'Indienne), Gounod (La Nonne sanglante) tandis qu'à l'Opéra-Comique et au tout nouveau Théâtre-Lyrique s'affichent, à un rythme soutenu, des ouvrages dont le public est friand, de Reber, Massé, Clapisson, Grisar, Adam, Ambroise Thomas ou Eugène Gautier.
À cette activité lyrique foisonnante s'ajoutent les publications d'albums et de livres savants, l'émergence de sociétés musicales comme celle que fonde Pasdeloup, les concerts parisiens en tous genres où brillent Ernst, Vieuxtemps, Bottesini et tant d'autres, sans oublier les tournées triomphales à l'étranger « qui nous enlèvent nos étoiles ».
Enfin, signant anonymement un article de 1855, Berlioz prend le temps de se faire le chantre discret de son propre Te Deum, enfin joué à la veille de l'ouverture de l'Exposition universelle de Paris, tandis que, sur toile de fond de guerre de Crimée, il relate son voyage en Russie de 1847, exprimant sa reconnaissance aux Russes, qui l'accueillirent si chaleureusement.
Dans ce nouveau volume, la plume de Berlioz sait une fois encore captiver le lecteur en faisant revivre avec panache nombre de musiques et musiciens parfois tombés dans l'oubli et montrer ainsi toute la richesse de la vie musicale parisienne de l'époque.
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Les violons de la musique de la chambre du roi sous Louis XIV
Bernard Bardet
- Societe Francaise De Musicologie
- 26 Décembre 2016
- 9782853572514
Le présent ouvrage se propose de mettre en lumière l'organisation du corps que formaient les violons du Roi, ceux de la Grande et la Petite Bande de la Chambre, ainsi que leur vie privée et professionnelle.
La période du règne de Louis XIV choisie comme cadre chronologique bénéficie de sources d'archives abondantes largement restituées ici. Elle coïncide exactement avec des événements capitaux de l'histoire des violons du Roi : le début de la régence d'Anne d'Autriche voit se former la première organisation complète des Vingt-quatre Violons en association, et, quand le Roi-Soleil s'éteint, les Petits violons formés au temps de Lully, disparaissent. Les nombreuses découvertes de documents inédits dans les minutes notariales parisiennes permettent de comprendre comment se perpétuait le métier, comment s'édifiaient les dynasties de musiciens ou quels étaient les liens entre l'ancienne corporation des joueurs d'instruments et la musique royale. Les contours de leurs activités musicales se dessinent grâce aux musiques qu'ils ont laissées et aux livrets des spectacles de cour auxquels ils ont participé.
Mémoires et journaux du temps proclament la qualité des exécutions données par les violons du Roi. Tous célèbrent à l'envi ces deux corps de musiciens qui recueillaient une admiration unanime, qu'elle vînt du connaisseur ou de l'amateur. Leur renommée franchit le xviie siècle et la place que Voltaire assigne dans Le Siècle de Louis XIV à la Grande Bande reste un signe révélateur de son influence. Les Vingt-quatre Violons du Roi furent une pépinière d'où sortirent de vigoureux talents : les compositeurs Nicolas Clérambault, François Rebel, Jean-Baptiste Sénaillé, Jacques Aubert, les danseurs Pierre Beauchamp, Jean Favier et la cantatrice Mlle Desmatins. À cette influence familiale, il convient d'ajouter à l'actif des violons du Roi leur influence dans l'évolution des formes musicales, notamment dans la transformation de la suite en sonate. Désormais, la musique de chambre s'imposait dans la pratique musicale en France.
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Trois fugues de Luigi Cherubini
Luigi Cherubini, Jean-jacques Eigeldinger
- Societe Francaise De Musicologie
- 1 Décembre 2017
- 9782853572590
Chopin a toujours voué un soin particulier à l'art du contrepoint. Au début des années 1840, il se plonge notamment dans l'étude du Cours de contrepoint et de fugue de Cherubini (1832), dont il transcrit trois fugues pour piano. L'autographe, inédit et conservé dans une collection particulière, figure parmi ceux que Chopin a écrits avec le plus grand soin. Il est reproduit dans ce volume pour la première fois. Dans l'introduction, Jean-Jacques Eigeldinger retrace l'histoire de ce manuscrit fascinant et revient sur l'importance du contrepoint pour Chopin, qui en prit le goût dès sa jeunesse, à Varsovie, avec ses maîtres Zywny et Elsner, qui lui transmirent aussi le culte de J.-S. Bach et du Clavier bien tempéré.
Le volume est augmenté de plusieurs exemples musicaux, illustrations (portraits de Chopin à sa table de travail et de Cherubini), facsimilés et transcriptions des autres rares manuscrits contrapuntiques de Chopin (exercices de contrepoint sur chants donnés de Cherubini et un fragment de canon à l'octave, préparatoire au finale de la Sonate op. 65 pour piano et violoncelle), enfin des notes critiques. En annexe
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Andre caplet - compositeur et chef d orchestre
Herlin/Quesney
- Societe Francaise De Musicologie
- 31 Août 2020
- 9782853572699
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Les concerts Straram (1926-1933) : une révolution dans la vie symphonique à Paris
Gilles Demonet
- Societe Francaise De Musicologie
- 30 Mai 2022
- 9782853572743
Quelles raisons avancer pour expliquer l'indifférence dont Walther Straram a fait l'objet ? Elles sont certainement à chercher tout d'abord du côté de l'homme lui-même, de sa personnalité d'une discrétion extrême et de son détachement à l'égard des honneurs.
Au demeurant, sa vie et sa carrière ont été courtes : largement autodidacte, il connaît la consécration avec deux premières séries de concerts de musique contemporaine en 1923 et 1925, mais surtout grâce au lancement de ses concerts en 1926, alors qu'il a dépassé l'âge de cinquante ans et qu'il ne lui reste que peu d'années à vivre. De plus, il n'a rien publié et n'a pour ainsi dire jamais accordé d'entretiens. Enfin, son activité n'ayant pas bénéficié de subventions et s'étant au contraire développée grâce à des fonds strictement privés, provenant de surcroît des États-Unis, elle est demeurée en marge des grandes institutions. S'inscrivant à rebours de la conception traditionnelle de la culture en France, marquée par un fort interventionnisme étatique, son activité ne pouvait bénéficier de cette consécration officielle qui souvent suffit à faire naître l'intérêt.
La démarche méthodique et pragmatique de Walther Straram inspire le plan de ce livre. Elle consiste tout d'abord à poser un diagnostic de la vie symphonique parisienne qui fournit les principaux éléments de contexte. Sur la base de celui-ci, Straram énonce des objectifs stratégiques et artistiques qui se traduisent avant tout dans une conception nouvelle de la programmation. Ces objectifs sont mis en oeuvre dans le cadre d'une approche entrepreneuriale. On l'aura compris, le présent ouvrage a donc aussi pour ambition de restituer la place qu'il mérite à l'entrepreneur de spectacles, chaînon manquant du processus de production-diffusion-réception des oeuvres. -
Femmes en musicologies francophones : de Michel Brenet (1858-1918) à Solange Corbin (1903-1973)
Catherine Deutsch
- Societe Francaise De Musicologie
- 30 Décembre 2024
- 9782364853072
Ce livre brosse un portrait collectif des femmes en musicologies francophones depuis l'émergence de la discipline à la fin du xixe siècle jusqu'à la phase finale de son institutionnalisation universitaire dans les années 1970. Il met en regard différents contextes et réseaux dans lesquels la musicologie était pratiquée en français, des sphères parisiennes, à Strasbourg, Clermont-Ferrand, Poitiers, Liège et Bruxelles, en passant par l'Aurès, Ravensbrück, la Grèce et le Bourbonnais. Sans échapper aux inégalités et aux normes de genre contemporaines, la musicologie française s'est néanmoins révélée dans un premier temps plus inclusive que ses homologues allemandes, autrichiennes ou états- uniennes, favorisant l'émergence de figures marquantes telles que Michel Brenet/Marie Bobillier, Yvonne Rokseth, Geneviève Thibault de Chambure ou Solange Corbin, et de nombreuses autres souvent méconnues de nos jours. Chercheuses, enseignantes à l'université, musiciennes, bibliothécaires, ou collectionneuses, ces femmes ont largement contribué à l'essor de leur discipline, parfois en marge des circuits académiques. À travers quatre axes - leur rôle dans l'institutionnalisation de la discipline, leur apport théorique, leur participation à la redécouverte des musiques anciennes et leur contribution aux débuts de l'ethnomusicologie - cet ouvrage retrace les trajectoires de ces pionnières à travers de nombreuses sources jamais exploitées. Il offre ainsi une contribution inédite et nécessaire à l'histoire de la musicologie et à l'histoire des femmes scientifiques.
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La théorie musicale germanique du XIXe siècle et l'idée de cohérence
Marc Rigaudière
- Societe Francaise De Musicologie
- 1 Juin 2009
- 9782853570206
Le plus souvent, la pratique de l'analyse de la musique tonale repose sur l'idée qu'une oeuvre est un tout parfaitement logique et ordonné. Le dévoilement de la cohérence de l'oeuvre serait ainsi un axe essentiel de la démarche analytique, si ce n'est son objectif principal. On pourrait penser qu'une telle conception de l'analyse musicale est le fruit de l'époque « contemporaine », éprise de rationalisme scientifique ou de rigueur structuraliste. Pourtant, elle est issue d'une tradition théorique bien plus ancienne que l'auteur de ce livre entreprend d'explorer. En effet, c'est à partir de la fin du XVIIIe siècle et tout au long du XIXe siècle que la pensée du Tout, sous l'influence de la philosophie idéaliste allemande, va s'insinuer dans les diverses branches de la théorie musicale du monde germanique : harmonie, tonalité, métrique, forme et construction thématique. Ce n'est pas seulement la perfection de l'oeuvre musicale, effigie de l'Absolu et produit du génie, que l'on ne se lassera plus alors de contempler, mais aussi celle du système tonal qui, située en amont de l'oeuvre, en est la condition d'existence. Suivant cette articulation fondamentale, le présent ouvrage offre une perspective historique sur les concepts théoriques qui ont participé à l'émergence d'une véritable pensée de l'unité en musique. La première partie est consacrée au système tonal, lequel, d'abord envisagé comme une construction abstraite soumise à la pensée mathématique ou physicienne, acquiert progressivement le statut d'un système d'équilibre hiérarchisé et dynamique. La seconde partie, laissant le système pour se tourner vers ses produits, montre comment le processus de formation, loin de juxtaposer les éléments constitutifs de l'oeuvre, doit réussir à les intégrer dans un « organisme » régi par des lois d'unité, d'équilibre et de logique, de façon à ce que leur succession apparaisse comme le résultat d'une nécessité et non de choix arbitraires.
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Le clavier bien tempéré Tome 1 ; vingt-quatre préludes et fugues
Jean-sébastien Bach, Jean-Jacques Eigeldinger
- Societe Francaise De Musicologie
- 1 Mars 2010
- 9782853570213
J.-S. Bach et son Clavier bien tempéré ont été des figures tutélaires pour maints compositeurs du xixe siècle, de Beethoven à Brahms, de Mendelssohn et Schumann à Franck et Fauré, d'Alkan et Boëly à Liszt et Schoenberg. Venu d'un autre horizon, Chopin a été éduqué à Varsovie dans le culte des Préludes & Fugues, qu'il savait par coeur au point de jouer impromptu « plus de la moitié d'un recueil ». Bach est à la source de son entraînement de pianiste, de son métier de compositeur et de son répertoire de professeur. Ses élèves en passaient tous par là : au terme de cinq années d'enseignement, il conseilla à l'une des meilleures d'entre elles de « toujours travailler Bach. Ce sera votre meilleur moyen de progresser ».
Le présent fac-similé reproduit une édition du premier livre, annotée par Chopin lors de la formation d'une élève tardive, Pauline Chazaren, qui devait faire carrière dans le professorat privé : choisie par Liszt (lequel l'avait dirigée chez Chopin), elle eut à enseigner la jeune Cosima dans le temps même où elle travaillait avec Chopin. Entièrement autographes, les annotations concernent l'exécution (doigtés, répartitions des voix intermédiaires entre les deux mains, etc.), l'« analyse » des fugues les plus élaborées à travers un repérage des thèmes sous leurs diverses présentations, enfin le report très soigneux - pour les premiers Préludes & Fugues - des indications d'exécutions par Czerny (1837), dont il a pris connaissance à travers la publication parisienne de la veuve Launer. Cette humilité en fin de carrière n'est pas le trait le moins émouvant d'un document neuf et inconnu, qui vient éclairer d'un jour précis les liens de Chopin avec son maître à penser, comme dans son rôle de pédagogue.
Seconde édition (première édition parue le 1er mars 2010). -
REVUE DE MUSICOLOGIE n.25.2
Revue De Musicologie
- Societe Francaise De Musicologie
- Revue De Musicologie
- 30 Septembre 1943
- 9782853571142
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REVUE DE MUSICOLOGIE n.24.2
Revue De Musicologie
- Societe Francaise De Musicologie
- Revue De Musicologie
- 30 Septembre 1942
- 9782853571128
Quelques notes sur les musiciens anciens du pays basque-espagnol (José Antonio de Donostia) / Brahms et la musique ancienne (Édith Kern) / Musiciens du château de Chambord (Fuchs)
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REVUE DE MUSICOLOGIE n.24.1
Revue De Musicologie
- Societe Francaise De Musicologie
- Revue De Musicologie
- 31 Mars 1942
- 9782853571111
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Critique musical Tome 7 ; 1849-1851 ; Hector Berlioz
Collectif
- Societe Francaise De Musicologie
- 17 Janvier 2014
- 9782853572453
« Aide-toi, le ciel t'aidera », dit en conclusion le ministre à la musique, dans l'article que Berlioz consacre à la situation musicale de ces années qui ont suivi la révolution de 1848, résumant dans un brillant dialogue imaginaire les griefs qu'il accumule contre la médiocrité où se complaisent compositeurs, interprètes et publics, et l'attitude désastreuse d'un jeune gouvernement qui asphyxie les beaux projets faute d'argent (Journal des débats, 28 septembre 1849).
C'est sur ce fond de désillusion que, tout au long du présent volume, en particulier à travers les comptes rendus des nombreuses créations et reprises d'opéras et d'opéras-comiques, Berlioz ne va pas craindre d'exprimer encore et toujours ses convictions, s'adressant parfois au lecteur, pour le prendre à témoin.
Impressionné par le triomphe du Prophète en 1849, servi par l'interprétation mythique de Pauline Viardot, il déplore les concessions de Meyerbeer faites au public de l'Opéra, pour parvenir au succès.
Toujours admiratif des chefs-d'oeuvre du passé tels que La Vestale de Spontini, l'Alceste de Gluck, les symphonies de Beethoven ou l'Idoménée de Mozart, et des opéras-comiques de Grétry, Méhul et Dalayrac, il s'indigne de l'ignorance des jeunes générations dont il veut former le goût.
Pour autant, Berlioz fonde sa Grande Société philharmonique et projette d'organiser des concerts en Angleterre, où, envoyé comme jury pour les instruments de musique, il séjournera pendant l'Exposition universelle de 1851.
Nourri de réflexions profondes, d'anecdotes amusantes et de citations enchâssées dans le texte, ce volume offre une véritable fresque de la vie musicale des années 1849-1851, marquées par la mort de Chopin, Johann Strauss et Spontini, et qui préludent à l'émergence d'un monde nouveau, le Second Empire.
