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On s'occupe rarement des chanteurs d'une façon un peu instructive, et on ne le fait point de manière à ce que l'étude de leur talent soit profitable. On encense les favoris du jour, on les couvre de louanges hyperboliques, sans leur faire l'honneur d'une discussion sincère. Quant à ceux du passé, on se répand sur leur compte en anecdotes plus ou moins authentiques, on en fait de véritables idoles qu'il ne reste plus qu'à diviniser ; mais on ne les discute pas davantage, et l'on ne se donne même pas la peine de rechercher l'ensemble des qualités qui constituaient le fond de leur talent.
Quelques types de chanteurs se sont présentés à moi, des plus originaux et des plus sympathiques à la fois parmi ceux qui ont brillé jadis sur notre seconde scène lyrique ; je me suis pris à les étudier, à les aimer, et ce que je veux faire, c'est rapporter simplement ce que des recherches, parfois laborieuses, m'ont appris à leur sujet. Et comme en eux le caractère est aussi curieux que le talent, je tâcherai, en faisant connaître de mon mieux l'artiste, d'esquisser la physionomie vive et accentuée de l'individu.
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Rire et sourire dans l'opéra-comique en France aux XVIIIe et XIXe siècles
Charlotte Loriot
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- 18 Décembre 2015
- 9782364850279
Lorsque l'opéra-comique apparaît au début du xviiie siècle, il est apparenté à la farce et à la comédie. Cependant, les travaux consacrés à l'étude du genre soulignent l'ambiguïté du terme « comique » : en effet, si le caractère comique semble initialement constituer un trait définitoire, l'évolution de la forme suggère bientôt une redéfinition voire une éviction du rire. Cet ouvrage a pour objectif de reconsidérer la dimension comique du genre aux xviiie et xixe siècles, examinant tant l'apport de compositeurs comme Auber, Bizet, Duni, Grétry et Ildefonse Luce, que l'enracinement de l'opéra-comique dans le vaudeville et la parodie, ou encore l'évolution des conventions à l'époque d'Offenbach et de Delibes. Entre musicologie, littérature et arts du spectacle, l'ouvrage rend compte de la variété de l'expression comique, qu'il s'agisse d'oeuvres fondatrices ou de manifestations plus originales, des procédés suscitant le rire et le sourire, de l'interprétation et du jeu sur la scène, des échanges avec d'autres scènes/formes, ou des questions théoriques soulevées - de la censure aux usages de l'institution. Ces approches croisées interrogent en filigrane la définition même de l'opéra-comique, et incitent à mettre l'accent sur des principes clés du genre, comme la notion d'emploi. Il en émerge un panorama assez nouveau qui invite à revaloriser le comique comme une composante essentielle du genre.
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Les théories de l'harmonie et de la tonalité en France au XIXe siècle
Marc Rigaudière
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- 28 Août 2024
- 9782364852754
Marc Rigaudière s'intéresse à l'histoire des théories de l'harmonie en France au XIXe siècle au prisme des écrits théoriques et didactiques en langue française qui ont été dédiés à ce domaine du savoir musical. Réfléchir aux différentes manières de théoriser les relations harmoniques qui s'établissent à différentes échelles est une tâche fondamentale de l'histoire des théories de la musique tonale. Cet ouvrage est donc construit autour d'un questionnement sur l'essence de la tonalité, qui organise et structure le discours musical depuis la fin du XVIIe siècle jusqu'aux répertoires musicaux populaires actuels.
L'auteur aborde les écrits théoriques de l'ensemble de la période du « grand dix-neuvième siècle » par un panorama synthétique. Il examine ainsi la transmission des savoirs théoriques, les différentes « écoles » qui résultent des filiations entre les théoriciens, et les habitudes rhétoriques qui caractérisent ces traités. Il propose ensuite un examen comparatif et critique des différentes approches des notions constituant les « systèmes d'harmonie » : intervalles et accords, progressions harmoniques, cadences, modulation, notes étrangères et accords fictifs, chromatisme et enharmonie.
Grâce à cette analyse riche et variée, l'historien, le musicien et le professeur d'écriture trouveront dans cet ouvrage une approche historique et critique des notions clés de la théorie de l'harmonie et de la tonalité, qui sont toujours transmises aujourd'hui dans les classes des conservatoires et dans les universités. -
Lettres de compositeurs à Camille Saint-Saëns
Yves Gérard, Jousse Eurydice
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- 25 Septembre 2009
- 9782914373555
Des simples billets de Berlioz, Bizet, Wagner aux correspondances fournies de Gounod (affectueuse), Liszt (aux conseils avisés) ou Widor (amusée ou mordante), de la lettre torrentueuse de Stamaty en 1846 proposant un programme d'études pour le jeune Saint-Saëns à celle, argumentée, de d'Indy en 1919, défendant ses convictions musicales, ce sont plusieurs générations de créateurs notoires, à des titres divers, qui sont représentées par près de six cents documents tirés des archives personnelles de Camille Saint-Saëns (1835-1921), accumulées au cours d'une étonnante carrière de soixante-quinze ans comme pianiste, organiste et compositeur à la réputation internationale.
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Jean-Claude Malgoire, 50 ans de musiques et d'aventure
Virginie Schaefer-kasriel
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- 8 Octobre 2005
- 9782914373180
Cet ouvrage luxueux qui s'intitule à juste titre Jean-Claude Malgoire, 50 ans de musiques et d'aventure retrace, à travers une quinzaine de chapitres et une riche iconographie, le parcours unique d'un musicien d'exception, curieux et éclectique qui a exploré et continue d'explorer toutes les musiques. L'ouvrage rend également hommage à l'homme d'une grande aventure : celle du renouveau de la musique baroque en France.
Discographie raisonnée Historique des saisons de l'Atelier lyrique de Tourcoing
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Leçons de Liszt à ses élèves : Le Liszt-Paedagogium de Lina Ramann
Lina Ramann
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- 19 Mai 2025
- 9782364851092
Liszt a enseigné de façon libre et personnelle pendant plus d'un demi-siècle, partout en Europe, notamment à Weimar, Rome et Budapest. À la fin de sa vie, ses légendaires masterclasses ont attiré une foule d'admirateurs, de curieux et de jeunes musiciens venus du monde entier. Sa fidèle disciple Lina Ramann (1833-1912) a rassemblé ses souvenirs et ceux d'autres élèves dans le Liszt-Paedagogium, publié en allemand en 1902. Il est traduit ici pour la première fois en français. Complété par un essai sur la pédagogie de Liszt fondé sur des documents inédits, avec tous ses exemples musicaux révisés et des commentaires, il est destiné à une utilisation pratique.
Les leçons de Liszt à ses élèves portent sur l'inspiration poétique et littéraire mais aussi sur des indications concrètes de tempo, rubato, caractère, pédale, phrasé, doigté, accent, articulation, rhétorique musicale et modes de jeu. Le Liszt-Paedagogium aborde 22 partitions dont Un Sospiro, les Consolations, Bénédiction de Dieu dans la solitude, la Sonate, Funérailles, les Rhapsodies hongroises no 3 et 5, etc. Il contient aussi quelques variantes que Liszt transmettait à ses élèves. Indispensable aux pianistes, c'est un outil au service de l'interprétation historiquement informée de la musique de Liszt et plus généralement du xixe siècle. Il nous plonge dans les particularités du pianisme poétique et la pensée musicale de celui qui ne fut pas seulement l'inventeur du piano moderne, mais aussi un professeur de légende. En faisant revivre des traditions perdues, ce livre propose un renouveau de l'interprétation moderne. -
Maurice Denis (1870-1943), l'un des peintres français les plus connus de son temps, n'a cessé, de la période nabi jusqu'à la fin de sa vie, de contribuer, par la plume et le pinceau, à l'évolution de l'art. ?Très apprécié des musiciens, l'auteur d'une Histoire de la musique (frise ornant la salle du Théâtre des Champs-Élysées à Paris), et de L'Amour et la vie d'une femme d'après le cycle de Robert Schumann, se passionne très jeune pour la musique, se liant d'amitié avec de talentueux interprètes et compositeurs, devenus célèbres ou tombés dans l'oubli. Sa correspondance révèle la richesse des relations du peintre avec la société musicale à laquelle il prendra une part très active sa vie durant.?L'oeuvre et la pensée de Maurice Denis, mises en parallèle avec son goût musical, sont confrontées à l'oeuvre et à l'esthétique des musiciens qu'il côtoie. L'étude, fondée sur les écrits du peintre et des témoignages souvent inédits, est agrémentée de photographies et de nombreuses reproductions de ses oeuvres. Elle est l'occasion, pour les mélomanes et amateurs d'art, d'une nouvelle appréhension de la musique sous la Troisième République, au travers des lieux fréquentés par Maurice Denis, de ses amitiés et de ses collaborations. Elle apporte également un éclairage nouveau sur les correspondances entre les arts à une époque où les peintres aimaient s'inspirer de l'oeuvre des musiciens, et inversement. L'ouvrage permet enfin de découvrir un peintre qui, à l'instar de Verlaine, recherchait " de la musique avant toute chose ".
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Itinéraire d'un chanteur à travers vingt années de correspondance (1844-1864)
Julius Stockhausen
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- 12 Janvier 2011
- 9782914373685
Jules Stockhausen (1826-1906), célèbre baryton et pédagogue allemand, ne rejoint sa patrie d'élection qu'après un long cheminement. Né à Paris, il passe sa jeunesse à Guebwiller (Haut-Rhin), ville natale de sa mère, cantatrice, avant d'aller faire ses études dans la capitale. Élève au Conservatoire, c'est en dehors de l'institution qu'il trouve son véritable maître, Manuel García. Après avoir tenté sa chance en Angleterre, il se tourne vers la scène, en Allemagne puis à l'Opéra-Comique, pour se consacrer enfin à son répertoire de prédilection, le lied et l'oratorio, avec lequel il parcourt l'Europe. Interprète scrupuleux, il souhaite bientôt disposer d'un choeur et d'un orchestre pour mettre en oeuvre un vaste programme musical et obtient en 1863 la direction de la Société philharmonique et de l'Académie de chant de Hambourg. Telles sont les étapes suivies à travers vingt années d'une correspondance vibrante des découvertes, des luttes et des expériences d'un jeune homme à la curiosité insatiable. Jules Stockhausen s'y montre à la fois excellent épistolier, critique sévère ou admirateur fervent, témoin avisé de la vie musicale et politique. Parlant quatre langues, il en joue à merveille au gré de l'humeur et des sentiments. Au fil de la plume apparaissent les portraits, savoureux ou sensibles, de nombreux artistes : ses professeurs Louis Ponchard, François Habeneck et Manuel García ; Marietta Alboni, Jenny Lind ou Pauline Viardot, vedettes de la scène ; Clara Schumann avec laquelle le chanteur donne d'innombrables concerts ; Joseph Joachim et Johannes Brahms, mais aussi Camille Saint-Saëns, Charles Gounod ou Anton Rubinstein. C'est en même temps une invitation au voyage dans quelques hauts lieux de la musique, de la Société des concerts du Conservatoire à Exeter Hall, du Cirque des Champs-Élysées aux Fêtes musicales du Rhin, de la salle du Gürzenich qui ouvre ses portes à Cologne à la cathédrale de Brême où se pressent 3 000 auditeurs pour écouter la Passion selon saint Matthieu. Vie quotidienne, tournées harassantes, succès et découragements, tourmentes sentimentales, le lecteur partage l'intimité d'un artiste passionné, aussi ambitieux qu'exigeant, dont la foi profonde s'associe à une haute idée de sa mission.
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Apprendre la musique ensemble ; les pratiques collectives de la musique, base des apprentissages instrumentaux
Eric Demange, Karine Hahn, Jean-claude Lartigot
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- 10 Mars 2007
- 9782914373227
Les trois auteurs ont souhaité, après une synthèse de leurs observations de terrain (en France et au Québec), analyser mieux les enjeux pédagogiques et institutionnels d'une généralisation des pratiques collectives. S'appuyant sur des cas concrets de situations d'enseignement, les auteurs pointent aussi les craintes suscitées par ces changements et les évolutions à prévoir dans les métiers des enseignants. Enfin, les raisons invoquées pour justifier les pratiques collectives sont passées au crible, pour repérer celles qui sont porteuses d'avenir et peuvent donner naissance à de nouvelles institutions.
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Époux depuis 1955 de Marie-Claire Bancquart, professeur à la Sorbonne, poète, écrivain, critique littéraire... Après des études au Conservatoire national supérieur de Paris (violon, alto, musique de chambre, contrepoint, fugue, composition), Alain Bancquart entre comme troisième alto solo à l'Orchestre national de France, poste qu'il occupera jusqu'en 1973. Il devient ensuite directeur musical des orchestres de régions de l'ORTF. En 1976-1977, il est directeur musical de l'Orchestre national de France. Fin 1977, il devient inspecteur de la musique au ministère de la Culture. À ce titre, il a été à l'origine de la création du Centre de documentation de la musique contemporaine et de la collection " Musique française d'aujourd'hui ". Parallèlement, il est producteur pour Radio-France de " Perspectives du vingtième siècle ". Cette série de concerts publics, consistant en sept ou huit journées de musique contemporaine par an, lui permettra de découvrir et de faire connaître un grand nombre de compositeurs et de susciter la création de leurs oeuvres. En 1984, il abandonne son poste au ministère et la production de " Perspectives du vingtième siècle " pour devenir professeur de composition au Conservatoire national supérieur de musique de Paris et responsable des études d'écriture et de composition. En 1995, il fait valoir ses droits à la retraite et se consacre depuis lors uniquement à la composition. Pendant toutes ces années de carrière, Alain Bancquart n'a jamais cessé de composer. En 1967, il a entrepris l'élaboration de systèmes d'écriture en micro-intervalles qu'il a utilisés et utilise encore avec une grande rigueur. Parmi ses oeuvres nombreuses on peut citer : deux trios à cordes, quatre quatuors à cordes, un quintette à vent, cinq symphonies pour grand orchestre, des oeuvres concertantes pour violon, violoncelle, harpe, deux opéras de chambre, plusieurs oeuvres pour instruments seuls et deux pièces pour trio à cordes et orchestre. Entre 1995 et 2000, il écrit un cycle de six oeuvres instrumentales et vocales d'une durée de deux heures sur des textes de Marie-Claire Bancquart, le Livre du labyrinthe dont il a dirigé l'intégrale en mai 2000 à Radio-France. Un double CD incluant ce cycle a été édité par Mode/records (New-York). Il dirige l'atelier instrumental de musique contemporaine du Conservatoire national de région de Versailles. Alain Bancquart a reçu le Grand Prix de la Sacem et le Prix national de la musique.
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Michelle Poncet ou la « Destouches-Lobreau » : Directrice de l'opéra de Lyon au XVIIIe siècle
Anne Le Berre
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- 17 Octobre 2023
- 9782364852198
Michelle Poncet, de son nom de scène la « Destouches-Lobreau », directrice de troupe de théâtre et d'opéra, s'installe à l'Académie royale de musique de Lyon en 1752. Par sa remarquable habileté politique et artistique, Michelle Poncet se maintient plus de 25 années à la direction de l'institution, véritable phare des spectacles de la seconde ville du royaume. Elle s'occupe à la fois de l'administration du théâtre, de sa troupe, et de la programmation lyrique et dramatique, et suscite l'admiration du public ainsi que l'adhésion des pouvoirs municipaux et royaux.
L'ouvrage retrace le parcours de Michelle Poncet : ses débuts d'actrice sur les différentes scènes de province, sa longue direction à la tête de l'Opéra de Lyon durant laquelle elle consolide l'institution, notamment par la construction du théâtre de Soufflot en 1756, et enfin les évolutions de programmation qu'elle insuffle à partir des années 1760.
À l'écoute des changements de goût de son public, Michelle Poncet délaisse progressivement les tragédies de Lully et les ballets de Rameau pour des opéras-comiques, ce genre nouveau qu'elle pérennise à Lyon. Elle réalise ainsi le tour de force d'une programmation audacieuse, se distinguant de ce qui se faisait à Paris alliée à une rigueur financière : les scandales et les affaires ne suffiront pas à la déstabiliser.
L'historienne et musicologue Anne Le Berre nous éclaire, grâce à son exploration des archives, sur le fonctionnement des maisons de spectacles au xviiie siècle, les devoirs imposés par les « privilèges » royaux, les relations avec la municipalité et les contraintes économiques, faisant ressortir les contours de la « Destouches-Lobreau », ce personnage féminin puissant et figure culturelle locale marquante. -
Aux sources vives de l'enfance : Les mélodies de Guy Sacre
Anthony Girard
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- 10 Janvier 2024
- 9782364851085
Compositeur français, né en 1948, Guy Sacre n'appartient à aucune école et ne suit aucune mode. Son attachement indéfectible à la tonalité ne lui enlève ni sa liberté, ni sa désinvolture, aiguisé qu'il est par son goût pour la bitonalité et les échelles modales. Sa musique, d'une grande économie de temps et d'espace, joue sur le paradoxe entre un mélodisme simple, apparenté à l'univers de la comptine, et une écriture harmonique élaborée, inventive, éminemment personnelle.
Guy Sacre cultive tout autant la musique que la littérature et la poésie, et apparaît, selon l'angle d'approche, tout à la fois comme un compositeur, un écrivain et un poète, sans que l'on puisse déterminer quelle est la part prépondérante. Cette publication, la première à paraître sur le compositeur, s'intéresse plus particulièrement à son oeuvre pour chant et piano, tout un monde où se rencontrent, avec ardeur et tendresse, musique et poésie.
Les qualités dominantes de la musique vocale de Guy Sacre sont sa sobriété mélodique, son extrême raffinement harmonique, sa concision formelle et son économie de moyens. L'étude de ses mélodies révèle une attention extrême à la construction strophique des poèmes, au poids des mots, à leur sonorité propre, leur accentuation, comme aux images qui orientent chaque composition dans le sens de la vérité émotionnelle. Chaque recueil de mélodies parvient ainsi à créer une couleur spécifique, la musique de Fargue toute différente de celle de Verlaine ou de celle de Rilke.
Ce livre tente d'ouvrir quelques portes pour aider le lecteur à pénétrer au coeur de cette musique rare, d'une grande unicité, où dominent comme une force de gravité les sentiments de regret, de nostalgie, de douleur, souvent dissimulés derrière un masque, atténués par une suprême délicatesse.
Au centre de l'ouvrage, chaque mélodie est présentée dans sa chronologie, analysée, parfois avec minutie, pour mettre en valeur les qualités de l'écriture comme pour souligner les relations subtiles, toujours renouvelées, entre poésie et musique. Aux sources vives de l'enfance est aussi un portrait de Guy Sacre, et nous invite à découvrir et apprécier toute la singularité de son écriture, de son style et de sa pensée.
Anthony Girard -
Histoire de l'opéra-comique
François-henri-joseph Castil-blaze
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- 13 Août 2012
- 9782914373692
François-Henri-Joseph Blaze (1784-1857), dit Castil-Blaze - surtout connu aujourd'hui pour ses adaptations françaises particulièrement libres d'ouvrages de Mozart, Weber, Donizetti et Rossini - fut également critique, compositeur et historien de la scène lyrique française. Dans la continuité de ses ouvrages sur les grandes institutions musicales parisiennes (Chapelle royale et impériale, Opéra, Théâtre-Italien), il se pencha sur l'histoire de l'opéra-comique ; étude que son décès laissa à l'état de manuscrit. Depuis la création des théâtres de la Foire jusqu'à la fin des années 1830, Castil-Blaze propose - en compilant sources anciennes et connaissances personnelles - l'analyse d'un genre musical où se mêlent reconstitution du répertoire, récits anecdotiques et réflexions esthétiques. Cette première édition du texte est complétée par une série d'index (personnes, ?uvres, incipit, notions, lieux et institutions) corrigeant certaines erreurs de l'auteur et facilitant la lecture de ce texte riche et foisonnant.
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Mozart et la France ; de l'enfant prodige au génie (1764-1830)
Jean Gribenski, Patrick Taïeb
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- 25 Mars 2014
- 9782914373869
Cet ouvrage n'a pas tant pour but de se pencher une fois de plus sur les oeuvres de Mozart en tant que telles que de poser un problème nouveau : de son vivant et dans les années qui suivirent sa mort, « quel Mozart » a-t-on connu ? Quelle image du compositeur a peu à peu émergé ? Comment, concrètement, s'est formé « notre » Mozart ?
Peut-on tenter d'esquisser à grands traits ce que fut la réception de Mozart en France, jusque vers 1830 ? Il apparaît clairement que, dans les quelque vingt premières années du xixe siècle, celle-ci accède à une dimension nouvelle, dont témoignent tant les programmes de concert que l'activité des éditeurs de musique : le passé s'introduit dans l'écoute et la pratique de la musique. Bénéficiaire de cette mutation capitale, la musique de Mozart en est aussi le moteur.
Cependant, en ce qui concerne Mozart, le véritable changement a déjà commencé quelques années auparavant. 1801 marque un « tournant décisif », avec trois événements d'une importance capitale : la première représentation des Mystères d'Isis, l'installation à Paris d'une troupe allemande qui donne Die Entführung aus dem Serail en langue originale et enfin la publication des premières biographies de Mozart en français (Winckler, Cramer). Celles-ci jouent un rôle essentiel dans la formation du « mythe Mozart » : nourri d'« anecdotes miraculeuses », celui-ci mettra en valeur tant « l'enfant prodige » qu'une nouvelle conception du « génie ».
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Cristobal de Morales en Espagne : ses premières oeuvres et le manuscrit de Valladolid
Cristina Diego Pacheco
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- 18 Décembre 2015
- 9782914373920
Cristóbal de Morales, « Lumière de l'Espagne en musique », est sans doute l'un des compositeurs les plus fascinants de la Renaissance. Auteur d'une oeuvre saisissante par sa densité et sa subtilité, bien que relativement peu abondante, sa musique continue encore à captiver les auditeurs d'aujourd'hui.
Cet ouvrage vient combler le grand vide qui jusqu'à présent régnait sur l'une des périodes créatrices les moins connues du compositeur : celle qui a précédé son séjour romain, que l'on devine, grâce aux oeuvres du manuscrit de Valladolid, beaucoup plus riche et féconde que ce que nous imaginions auparavant.
L'auteur tente de relever les défis de cette personnalité complexe et de décrypter à la fois ses premières données biographiques et les controverses dont il a été l'objet au fil des siècles, et offre au lecteur des transcriptions et analyses des musiques de sa toute première période, dont un motet et un magnificat inédits à ce jour.
Trois partitions à l'usage des choeurs seront publiées simultanément.
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La musique et la révolution de l'imprimerie ; les mutations de la culture musicale au XVIe siècle
Pawel Gancarczyk, Wojciech Bonkowski
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- 9 Septembre 2015
- 9782364850347
Quel a été l'impact de l'invention de l'imprimerie sur la culture musicale du xvie siècle ? Telle est la question à laquelle ce livre tente d'apporter une réponse en abordant tous les aspects du phénomène. En retraçant l'histoire des débuts de l'imprimerie musicale et ses fondements technologiques, économiques et sociaux, l'auteur présente le marché des éditions musicales qui s'est ainsi formé, analyse la relation entre le contenu et la forme extérieure des éditions ainsi que les conditions économiques dans lesquelles celles-ci ont circulé. Les liens de concurrence entre les ateliers d'imprimeurs sont également détaillés, avec pour toile de fond le milieu du mécénat qui a permis leur floraison.
La typographie a participé au développement de la culture musicale en permettant l'unification d'un répertoire européen, mais elle a également contribué à accentuer les différences entre genres et styles musicaux. Garante de la longévité de certains types d'expression musicale, elle s'est également fait le véhicule promotionnel de nouvelles oeuvres ainsi que des réactions des compositeurs face aux événements religieux ou politiques du moment. Le nouveau médium a influencé non seulement la circulation du répertoire mais également la conscience des compositeurs, leur sens de l'autorité et de l'individualité.
L'auteur du livre défend l'idée d'un vaste élargissement de l'horizon social et esthétique de la culture musicale grâce à la révolution de l'imprimerie. De nouveaux types de composition musicale sont apparus et le public de la musique imprimée s'est lui aussi considérablement élargi. Cet ouvrage montre comment ces divers phénomènes se trouvent, à la naissance de l'ère moderne, liés entre eux, en observant comment certains - initiés au xvie siècle - sont toujours sensibles au sein la culture d'aujourd'hui.
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Le Quintette à vent : des origines à la floraison du genre
Denis Le Touzé, Emmanuel Reibel
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- Etat De L'art : Serie Musique De Chambre
- 17 Octobre 2023
- 9782364852419
Né plus tardivement que le quatuor à cordes, après les instrumentations foisonnantes de la musique de chambre pour harmonie de la fin du XVIIIe siècle, le quintette à vents offre, par la richesse de ses timbres et l'amplitude des tessitures, un éventail de possibilités de traitement pour l'instrumentiste ou le compositeur. Cet ensemble de cinq instruments pourtant bien connu des musiciens - composé, rappelons-le, d'une flûte, un hautbois, une clarinette, un cor et un basson - est moins familier des mélomanes que le quatuor à cordes ou le duo piano-violon. Les oeuvres pour cette formation sont nombreuses : cet ouvrage mentionne ainsi celles de Ropartz, Nielsen, Schmitt, Schoenberg, Milhaud, Hindemith, Carter et s'attarde plus particulièrement sur celles de Reicha et Ligeti.
Les auteurs de cet ouvrage retracent l'essor du quintette à vent en se focalisant sur les points clefs de son histoire, sur les mutations des genres à travers les époques. Ils s'appuient notamment sur plusieurs pièces et enregistrements du xxe siècle. Un entretien avec Gilles Silvestrini et Sergio Menozzi, compositeurs contemporains, apporte pour conclure l'ouvrage un regard actuel et ouvert sur le monde, une manière de nous dire que cette formation semble encore promise à un bel avenir. -
Les concerts de la Reine (1725-1768)
David Hennebelle
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- 18 Décembre 2015
- 9782364850309
Par leur longévité - plus de quarante ans -, par le nombre des concerts - entre un et trois par semaine en moyenne -, par le faste des moyens humains et financiers et par la diversité des lieux qui les accueillirent (Versailles, Marly, Fontainebleau, Compiègne.), les concerts de la reine Marie Leszczynska furent incontestablement l'une des plus importantes structures permanentes de concerts de l'Europe du xviiie siècle.
Inscrits dans la continuité des concerts d'appartement institués sous le règne de Louis XIV, les concerts de la Reine programmèrent essentiellement des actes d'opéra exécutés indépendamment de la scène lyrique. Si le choix de mettre une oeuvre au programme des concerts de la Reine peut s'interpréter comme une démarche d'ordre artistique ou esthétique mettant en mouvement des acteurs multiples et conduisant à promouvoir un goût musical spécifique, on ne doit cependant jamais perdre de vue qu'il s'agissait d'abord d'un acte dont la portée était clairement d'ordre symbolique et politique. En ce sens, ces manifestations constituèrent un creuset totalement singulier dans le monde du concert au siècle des Lumières, creuset où l'affirmation d'une tradition nationale se conjugua avec l'émergence du concept nouveau de musique classique.
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Hélène de Montgeroult : le génie d'une compositrice
Jérôme Dorival
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- 10 Décembre 2024
- 9782364852211
Après un premier volume, Hélène de Montgeroult, la Marquise et la Marseillaise, publié en 2006, l'apparition de nouveaux documents ainsi que l'accueil chaleureux et enthousiaste que la critique musicale et le grand public ont réservé aux études pour piano d'Hélène de Montgeroult rendaient nécessaire l'écriture d'un nouvel ouvrage sur cette compositrice.
Notre premier livre avait juste esquissé l'analyse de l'oeuvre d'Hélène de Montgeroult pour se consacrer principalement à l'aspect biographique. Aujourd'hui, il s'agit bien de remettre au premier plan sa musique en mêlant l'analyse musicale réservée aux spécialistes, et le simple commentaire, plus abordable pour les mélomanes, tout en reliant cette musique à la personnalité de son autrice, dans son temps et dans ses écrits « littéraires ».
Hélène de Montgeroult était profondément libre, tant dans sa vie que dans sa création artistique. Elle n'obéissait pas aux canons artistiques habituels et n'a jamais exprimé le moindre doute quant à sa légitimité à composer de la musique. Osons affirmer que cette musicienne est un génie, par son côté visionnaire, par l'expressivité de sa musique et par la rigueur de sa pensée compositionnelle et pédagogique.
Elle est désormais présentée comme la première romantique par ses admirateurs, dans des pays comme la France, l'Angleterre, l'Allemagne, l'Espagne, l'Italie, les États-Unis et le Canada, le Brésil et le Chili, le Japon, la Corée, la Chine et l'Australie.
Son art résidait dans la volonté de faire chanter le piano, l'expression étant pour elle le but essentiel de la musique. Elle a laissé pour illustrer cette idée un Cours complet pour l'enseignement du fortepiano qui est un monument musical et pédagogique. Dans ce Cours complet, l'élève devient sans effort et presque sans s'en apercevoir lecteur, pianiste et musicien.
Trois choses dans la musique de Montgeroult ont frappé Jan Brachmann, dans son article du Frankfurter Allgemeine Zeitung, le 22 août 2024 : « premièrement, nous assistons à la naissance de la pièce romantique pour piano en France du vivant de Mozart et Haydn ; deuxièmement, bien avant Chopin, l'étude est passée d'une pièce d'entraînement manuel à une forme de poésie sans paroles ; troisièmement, une femme est désormais à l'avant-garde de l'innovation et de l'originalité en histoire de la musique et n'est plus dans le sillage de l'avant-garde masculine. Notre historiographie musicale académique, y compris notre compréhension germano-centrée du romantisme, ne repose donc pas sur la connaissance mais sur l'ignorance, sur la confirmation constante de préjugés établis plutôt que sur de véritables recherches. » -
André Hodeir ; le jazz et son double
Pierre Fargeton
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- 23 Mars 2017
- 9782364850286
André Hodeir (1921-2011) est une figure multiple et paradoxale : élève au Conservatoire de Paris et violoniste au Hot Club de France, stagiaire chez Pierre Schaeffer et compositeur de musiques de films, homme de radio au Club d'Essai et de presse à la tête de la revue Jazz hot, simultanément auteur du célèbre essai Hommes et problèmes du jazz et d'un « ?Que sais-je ? ?» sur La Musique étrangère contemporaine, admirant d'un même élan Thelonious Monk et Jean Barraqué. En surplomb pourtant de tous ces visages, André Hodeir était d'abord un compositeur. Fondateur du Jazz Groupe de Paris, compagnon de route de Martial Solal, auteur de partitions essentielles telles que Jazz cantata ou Anna Livia Plurabelle (d'après James Joyce), Hodeir laisse derrière lui une oeuvre musicale importante et singulière : « Une sorte d'autre jazz possible, un jazz imaginaire, fragile édifice rêvé un instant hors de l'histoire réelle », comme l'écrivit un critique au seuil des années 1980. Un double du jazz, en somme, dont ce livre retrace aussi bien les fondements que les réalisations.
Pierre Fargeton offre tout à la fois une biographie méticuleuse, une discussion des soubassements théoriques et une analyse fouillée des oeuvres mettant en lumière des concepts musicaux originaux. Si Hodeir est souvent cité comme «?passeur?» entre deux cultures musicales qui coexistaient dans la France d'après-guerre (le jazz et la musique contemporaine), ce sont ici la singularité et la diversité de son invention qui éclairent d'un jour nouveau de larges pans de l'histoire de la musique, du sérialisme à l'appropriation française du jazz américain en passant par le développement de la figure du compositeur-écrivain, sur une période allant des années 1940 aux années 1980.
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Agile, irisée, sinueuse, immense, sachant se faire impérieuse, poignante, enjôleuse, hilarante, la voix de contralto d'Ewa Podles' a fait irruption dans presque tous les répertoires : bel canto rossinien, musique baroque et contemporaine, mélodie russe, lied, symphonie romantique, opéra verdien ou straussien.
Admirée par ses pairs, ovationnée par le public tout au long de sa carrière, encensée par la critique, parfois contestée, voire dédaignée, Podles' a poursuivi son chemin avec une exigence artistique inébranlable qui a parfois pu aller jusqu'à l'intransigeance.
Intriguée par le pouvoir de fascination de l'artiste, l'auteur a voulu interroger son itinéraire. Les témoignages des proches et ce que la chanteuse raconte elle-même éclairent les circonstances de son enfance et de sa formation musicale. Les nombreux souvenirs confiés avec une franchise non dénuée d'humour, les conversations de l'auteur avec certains amis et collègues d'Ewa, les extraits d'articles et d'interviews font apparaître apparaître différents fils rouges, éphémères ou durables, qui créent autour de la contralto un réseau d'admirateurs passionnés et une aura particulière.
Après ses jeunes années, les débuts et l'essentiel de sa carrière en Pologne, ce livre retrace le parcours d'Ewa Podles' en Europe et en Amérique du Nord, avec ses rencontres, ses anecdotes, ses luttes, ses chances et ses malchances. À travers cette structure, l'auteur dresse un portrait plus kaléidoscopique que linéaire de l'artiste - chanteuse et femme hors du commun en quête d'authenticité et de la joie de chanter.
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A l'image des cinémas, des théâtres et des lieux d'exposition, les salles de concert connaissent une forte affluence sous l'Occupation.
Ce succès n'échappe pas aux autorités allemandes qui l'encouragent et font de la musique « savante » l'une de leurs priorités artistiques. Pour sa part, l'État français entreprend une réorganisation du secteur musical qui implique nécessairement les compositeurs. Certains d'entre eux, notamment Henri Rabaud, participent à la réalisation d'un projet ayant pour modèle l'organisation de la musique dans l'Allemagne nazie.
Ils sont néanmoins peu nombreux à fréquenter ce pays dans lequel règne un embargo sur la musique française. Les plus conciliants ont le privilège de se voir invités à commémorer le 150e anniversaire de la mort de Mozart à Vienne. Arthur Honegger et trois membres de la section musicale du bien nommé groupe Collaboration (Alfred Bachelet, Marcel Delannoy et Florent Schmitt) sont de ce « pèlerinage encore plus nazi que mozartien », selon la formule de Lucien Rebatet.
A Paris, d'autres compositeurs savent faire preuve de plus de retenue bien que la gamme des comportements soit large. Les velléités de résistance sont néanmoins faibles. Rares sont ceux qui, à l'image de Francis Poulenc, militent sur les portées de leur papier à musique. Les compositeurs français ont pour première ambition de poursuivre leur principale activité. Ils écrivent de nouvelles partitions et s'attachent à promouvoir l'ensemble de leurs oeuvres.
Malgré les difficultés conjoncturelles, ceux d'entre eux qui ne sont pas réduits au silence bénéficient de l'intervention de l'État, d'une forte demande, d'un climat nationaliste et de l'absence de concurrence étrangère. La tendance néoclassique de l'entre-deux-guerres trouve dans ce contexte un terrain de prédilection, sans, pour autant, réduire à néant la modernité dont Olivier Messiaen est l'incarnation.
Cette étude porte un regard d'ensemble sur les différentes activités des compositeurs. Elle s'intéresse à leur implication dans la vie musicale et aux conséquences de l'Occupation sur leur activité créatrice. Composer sous Vichy, c'est aussi composer avec Vichy et avec un contexte qui résonne dans la création musicale.
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Outre l'étude d'oeuvres emblématiques comme Biondina de Charles Gounod, les Ariettes oubliées de Debussy ou la mise en musique de Recueillement de Charles Beaudelaire par Claude Debussy, Louis Vierne et Jean-Yves Malmasson et de corpus plus rares les mélodies de Gustave Charpentier et de Georges Enesco, ou encore les mélodies composées sur des poèmes de René Chalupt, cet ouvrage propose un éclairage nouveau sur la vie musicale lyonnaise de la Belle Époque à travers les archives du critique Émile Baux et l'étude des compositions pour voix et piano d'Ennemond Trillat.
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Richard Wagner et sa réception en France : du ressentiment à l'enthousiasme, 1883-1893 Tome 1
Michal Piotr Mrozowicki
- Symetrie
- 15 Décembre 2016
- 9782364850538
L'ouvrage, divisé en deux volumes, présente l'évolution du wagnérisme français dans les années 1883-1893, mouvement qui a trouvé son expression principalement dans l'activité de La Revue wagnérienne. Le premier chapitre est dominé par les analyses de textes publiés dans cette revue, mais comprend aussi des informations détaillées sur « la vie wagnérienne hors de La Revue wagnérienne », autrement dit sur les publications wagnériennes d'auteurs ne faisant pas partie de l'équipe d'Édouard Dujardin. Le deuxième chapitre, intitulé « Les petits portraits de grands wagnériens », se compose de brèves biographies de quelques grandes figures du wagnérisme de l'époque. Après avoir étudié et montré les mérites de ceux qui oeuvraient par la plume avec plus ou moins de persévérance - et parfois bien au-delà de cette période - en faveur du compositeur allemand et de la promotion de son oeuvre en France, l'auteur décrit la présence de l'oeuvre de Wagner, de plus en plus importante, dans la décennie 1883-1893, aux concerts parisiens, ainsi que le chemin long et sinueux que parcoururent les Parisiens avant de l'accepter avec enthousiasme, en 1891, trente ans après la chute de Tannhäuser. La description du triomphe de Lohengrin au Palais Garnier et de ses conséquences occupe la part prépondérante du deuxième volume. Le triomphe parisien de Wagner, vingt mois plus tard, allait être confirmé par le succès éclatant d'une autre oeuvre du compositeur. Enfin, « En attendant La Chevauchée » est le titre d'un épilogue qui décrit « la vie wagnérienne » en France dans les mois et les semaines précédant la première représentation parisienne (et française) de la première journée de la tétralogie L'Anneau du Nibelung, spectacle qui allait marquer le début de la « belle époque » wagnérienne en France. Ces deux volumes s'inscrivent dans un cycle consacré à la réception de Richard Wagner et de son oeuvre en France.
